JONO “Life” 2017 (Frontiers Music) Review.

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jono-lifeLa banda sueca JONO comenzó como un proyecto en solitario del cantante Johan Norrby (de ahí el apodo de “JoNo”), que ha estado cantando, escribiendo y tocando música en varias bandas y proyectos a lo largo de los años. Esto se aplica también para todos los demás miembros de la banda. El guitarrista Stefan Helleblad es miembro de las sensaciones sinfónicas holandesas Within Temptation. El batería Nicka Hellenberg también tocó todo en “The Unforgiving” de Within Temptation y tiene un currículum impresionante que incluye bandas y grabaciones. Tanto el teclista Johan Carlgren como el bajista Janne Henriksson son contratados con frecuencia para sesiones tanto en vivo como en estudio. Leo Olsson, también un músico atareado, se unió a la banda en 2015.

La música de JONO es difícil de precisar. Tal vez se lo describe mejor como rock melódico con elementos sinfónicos y progresivos, siempre basado en melodías fuertes con arreglos ampulosos. Dinámica y un sonido amplio y contemporáneo son ingredientes importantes en la receta musical JONO. Se ha dicho que su música muestra la influencia de grandes artistas como Queen, Supertramp, Kansas, Journey y Sparks, pero sobre todo la banda ha recibido mucho crédito y elogios debido a su sonido único.

Por lo tanto aquí la receta usical es enrevesada, que no es fácil de digerir y con mucha nota intrínsica. La apuesta pude resultar arriesgada si no das con la clave. Puede llegar a aburrirte y más cuando no estás acostumbrado a melodías dispares y muy rebuscadas. 

El disco comienza con mucha curiosidad y la primera parte te hace poner atención, temas como “Sailors” o “No return” tienen esa nota trágica y muy teatral musicalmente que hace que recuerde a bandas como The Muse, incluso, para nada se acerca a sonidos Queen como dicen. Hay que amar este estilo para poder disfrutarlo, y quizá por eso no me parece un disco completo. Dre todos modos los temas que describo arriba son los que valen más la pena.

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Al final el cd navega por la divagación de lo lineal, les ha faltado dar un paso al frente y hacernos vibrar más regularmente, no a destellos. Ya digo que musicalmente es muy bueno, pero hace falta emoción para hacernos soñar. “To be near you” es otro tema lento lleno de llanto donde le falta explosión. El tema más hard, haciendo un poco de homenaje a DIO al principio es “The Magician” que es bastante aceptable, siempre con las teclas de fondo bien acompañadas y con mucha pomposidad en os estribillos.

No es mi gusto este tipo de lanzamientos si no mezclan bien la emoción y las melodías con la complicación instrumental.

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Bobby Kimball llama contra ALS en un video para apoyar el Proyecto Precious Time.


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Bobby Kimball, el antiguo cantante de Toto, tiene algo enormemente importante que decir sobre el nuevo proyecto GGM-Precious Time producido por GGMSTUDIOS OFICIAL TOTO ITALIA y FM Music y promocionado con orgullo por Volcano Records & Promotion. El proyecto apoya la lucha contra la enfermedad ALS, esclerosis lateral amiotrófica.

GGM-Precious Time involucró a un equipo de artistas internacionales como Steve Porcaro (Toto, Michael Jackson), Leland Sklar (Phil Collins), Shannon Forrest (Toto), Scott Page (Pink Floyd), Fabrizio Grossi (Supesonic Blues Machine), Alessandro Del Vecchio (Jorn, Revolution Saints), Wes Little (Robben Ford) y otros se unieron contra esta terrible enfermedad.

This is the link to Bobby Kimball’s personal video

https://www.youtube.com/watch?v=9Xg6CLx9KYU

www.ggmproject.com

www.volcanopromotion.com/ggmproject

DYLEM, lanza digitalmente una nueva canción, Can´t Take Anymore.


Tras su álbum debut en 2016 con el sello alemán 7hard (una división de 7us), DYLEM lanza digitalmente una nueva canción Can not Take More, disponible el 29 de septiembre con la participación de la virtuosa guitarrista Jennifer BATTEN (Michael Jackson y Jeff Beck).

Más info aquí:

http://www.dylem.ch

http://www.facebook.com/dylemmusic

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Worry Blast “.44” 2017 (Mighty Music) Review.

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Front_cover_1400x1400.jpgUna sección rítmica que ilumina una carretera oscura, guitarras que descienden como relámpagos desde un cielo tormentoso, una voz pulida por papel de lija …
Si ACDC era una vieja receta familiar, esta joven banda de Suiza es lo que estarías comiendo en la casa de la abuela.

Worry Blast es el nombre de este poderoso cuarteto que lanzó su primer álbum “Break Out From Hell”, en 2013. Un álbum que hizo que se llevara lycra en las bandas de glam de los 80. Worry Blast se ha hecho con un nombre rápidamente en la escena en vivo con sus espectaculares y duros shows en vivo.

Después de apoyar a Jeff Scott Soto y su banda en varios países durante su gira europea en 2014 y la apertura de Scorpions, Gotthard y Johnny Hallyday en 2015, la banda lanzó su segundo álbum “Hit The Gas”, que ha sido producido por Dennis Ward, productor de Krokus, Gotthard, Khymera.

“Hit the gas” es un gran retorno a los mejores momentos de los 80 con riffs básicos y solos furiosos. Incluyendo una canción destacada con Tommy Henriksen de Alice Cooper. Distribuido en todo el mundo, este último álbum ofreció a la banda una gran gira promocional con más de 50 espectáculos por toda Europa con una gran gira con la banda estadounidense Nashville Pussy, ahora están listos para comenzar este nuevo año con grandes festivales y el nuevo disco que se publicará en enero.

2017 fue un poco más tranquilo, pero no menos productivo. .44 (su tercer trabajo) empezaron a elaborarlo en abril de este año y la banda realmente está ansiosa por revelar su arduo trabajo el próximo enero. Este álbum lo considero el más potente de los tres.

Resumiendo, una banda de la cual os enamorareis todos los acdcianos si es que lo lo habéis hecho ya escuchando sus dos álbumes anteriores.

“.44” está producido por Dennis Ward (Pink Cream 69, Michael kiske, Bob Catley, etc.) y se lanzará en todo el mundo a través de Mighty Music el 17 de enero del año próximo.

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Line-up:  Rhythm Guitar – Voice : Mat Petrucci Lead Guitar : Allan Claret Bass / Backing : Dann Collaud Drums : Lucas Collaud

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Padrino

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HOUSTON “III” 2017 (Livewire/Cargo Records UK) Review.

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Houston. Sólo el nombre de esta banda me trae preciosos recuerdos. De ahí que posiblemente yo no sea el más indicado para realizar este análisis. Sabía a lo que me exponía, como me ha sucedido en otras ocasiones con otras bandas: la amistad puede ser un arma de doble filo a la hora de analizar el trabajo de otros. Pero, afortunadamente, me lo han puesto fácil, porque Houston han dado al mundo del AOR una razón para seguir sintiéndose vivo. No, no me he vuelto loco. Estoy hablando de AOR, no de rock melódico, o hard melódico, o pop rock sintetizado. Humildemente creo que entre la prensa especializada se ha perdido el olfato a la hora de identificar lo que tenemos delante, confundiendo estilos sólo porque nos gustan o nos dejan de gustar. Al igual que en función de nuestras afinidades o fobias personales, en segundos alguien tras un teclado puede influir en la opinión de muchas personas a la hora de comprar un producto determinado, cuidado con esto porque es la Némesis del redactor. Me ha pasado en anteriores ocasiones, de hecho uno de los motivos por los que dejé de analizar lanzamientos discográficos fue que no tengo la suficiente determinación para en unas cuantas letras dar al traste con las ilusiones y el trabajo en muchos casos de años de músicos experimentados. El ejemplo más claro de lo que quiero enfatizar lo encontramos en las ampollas levantadas tanto entre prensa especializada como entre público en general al respecto del último trabajo de los también suecos H.E.A.T. No es ni remotamente el mismo caso, pues los H.E.A.T. de hoy ni se parecen a lo que fueron ni a lo que serán, me temo, en futuros lanzamientos. Sólo su oficina de management sabe hacia dónde quiere llevar a estos muchachos.

El caso de Houston es radical y diametralmente opuesto: han sublimado su esencia, y son cada vez más el espectro REAL de lo que debe ser una banda de AOR moderno y equilibrado, con un pie siempre en el respeto al sonido clásico y otro en la vanguardia, tan necesaria para avanzar en los avatares de la creación artística. La personalidad de un músico no es ajena a los vaivenes de la moda o el estilo, al igual que sucede con creadores en otras disciplinas. Renovarse es útil, siempre y cuando sepas hacia dónde encaminas tus pasos.

El mero nombre genérico de este trabajo ya nos da una pista de la exclusiva forma de pensar de Hank Erix al llevar, con mano de hierro, las riendas de su proyecto personal: “III”. Es su quinto álbum editado, pero el tercero que incluye temas propios. De ahí el nombre, tan escueto, pero tan revelador. Tanto en un caso como en otro, para unos verdaderos amantes del sonido que les proporciona su razón de ser, es una característica de la que no pueden prescindir: Señores, Houston hacemos AOR, y versionamos AOR. Del de siempre, del bueno, del de calidad. Rechacen imitaciones o compren otra cosa, así de sencillo. Sólo ofrecemos AOR.

Hay noticias en el entorno de la banda, pues para este lanzamiento han contado con el concurso del ex Reptile Smile Martin Karlegärd en las labores de producción. Y el salto exponencial es infinito, pues el sonido de la banda se robustece y gana en matices, no en vano Karlegärd está acostumbrado a trabajar con estrellas suecas del pop y la música más electrónica, como los maravillosos The Sounds entre otros. La banda habla de un nuevo comienzo, y no puedo estar más de acuerdo con ellos.

‘Cold As Ice’ abre este “III”, con una clase magistral de lo que es el AOR. Melodía, desarrollo y técnica. Hank Erix demuestra que no es sólo una cara bonita, y que sabe no sólo componer sino también cantar al nivel de los mejores. De eso ya he tenido pruebas en primera persona. Sonido americano cien por cien a la Foreigner, huyendo de los estereotipos del rock melódico escandinavo. Esto hace que Houston sean únicos en su género, tiempo y localización espacio geográfica.

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“Everlasting” es una delicia, con ese sonido añejo que tanto me enamora, a la Rick Springfield. “Dangerous Love” es quizá uno de los cortes más modernos, más pop podemos decir, y me rechina utilizar términos tan restrictivos, pero la esencia de una reseña, buena o mala, siempre debe ser enfocar al público potencial a comprar o no un un trabajo concreto, no a que los lectores se enamoren de la prosa del cronista ocasional. Me han achacado en muchas ocasiones ser poco “duro” con los trabajos de ciertas bandas, quizá esperando con ansia ese momento en que arruinas el trabajo de cinco chavales sólo por ser cool. Que nadie espere eso de mí, porque no lo van a tener. Un tipo que se atreve a crear música ya merece todo mi respeto. Y sólo reseño aquello que creo tiene valor intrínseco, no ofrezco mi trabajo a nadie que no lo merezca.

Un piano distraído nos envuelve en la magia de “Lights Out”, para desarrollar un tema en la línea de lo que enfatizábamos con la figura de su nuevo productor, orquestaciones y arreglos muy mainstream que bien pudiera sonar con holgura en cualquier radio fórmula. Solemos mostrar nuestra indignación cuando un producto que consideramos “nuestro” es disfrutado por personas fuera del espectro musical en que nos movemos, sin pararnos a considerar que si el AOR es residual es precisamente porque somos refractarios a la exposición pública. Houston rompen con esa tónica, afortunadamente, normalizando y universalizando su concepto.

“Amazing” goza de una dualidad sublime, viejas melodías en trajes hiper modernos. Me encanta el trabajo de Calle Hamar en el riff central y Victor Lundberg, ese pequeño gran genio, en teclas. Ciertamente, se erige en protagonista a lo largo y ancho de este “III”, que sin este aporte en sintetizadores y piano quedaría absolutamente desnaturalizado. De ellos tenemos muestras más que de sobra en “To Be You”, un medio tiempo extra emocional que crece a medida que se desarrolla, de esos temas que nacen desconocidos y se hacen un nombre por sí mismos. Podríamos decir que tiene mucho del piano rock que practican bandas como Coldplay o One Republic. Me encanta.

“Glass Houses” es una delicia, un ejercicio de AOR retro maravilloso, muy de solista. Entiendo que son temas muy personales, donde subyace un posible deseo de Hank Erix de iniciar carrera en solitario, veremos qué nos depara el futuro. “Twelve-Step” cae del lado de los cortes con menos insinuaciones modernistas, un tema adornado con unos coros omnipresentes, “comme il faut”, calcadito sin faltas de ortografía del libro del “Haga AOR usted mismo”.

Para que no nos olvidemos de las guitarras está “Road to ruin”, riff simple pero efectivo. Las cosas simples no carecen de atractivo, y en música quizá la belleza, ese concepto tan esquivo e interpretable, vive en el oído del que escucha. Y yo soy muy fan de los arreglos minimalistas e inapreciables.

Cerramos con “Interstate Life”, un tema perfecto para conducir. Parece una estupidez, pero hay un género especifico de canciones que nacieron para ser escuchadas mientras se conduce un vehículo, sin importar el tiempo ni la distancia, haced la prueba alguna vez. Esos recopilatorios maravillosos, que te acompañan en momentos imborrables de tu vida. Esas canciones que forman parte de tu historia personal, de tus victorias y tus fracasos. Esa es mi historia, mi vida. Mi música.

Gracias a bandas como Houston, seguiré soñando y conduciendo mi sueño. Y me siento orgulloso de haber tenido los cojones de haber hecho realidad algunos de ellos. No enterréis todavia al AOR. No hasta que desaparezcamos los que lo amamos y lo hemos alimentado con nuestra carne.

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Rocky

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Crónica Tyketto, Madrid 17 de noviembre, Sala Copérnico.

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A pesar de la amplia oferta de conciertos para este otoño en la capital, no podíamos dejar pasar la oportunidad de disfrutar del gran Danny Vaughn, un americano afincado en los últimos años en España y que esta vez venía a ofrecernos un show con su banda Tyketto. A Vaughn ya hemos tenido la oportunidad de verle en más ocasiones por estos lares, o bien con su banda, o en acústico acompañado de nuestro paisano Jorge Salán o con Burning Kingdom. Siempre en cualquiera de sus formatos Vaughn ha sido sinónimo de calidad, por lo que teníamos claro que esa noche haríamos una apuesta segura de entretenimiento y buen rock.

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Arrancaron la noche, ShowBiz, el grupo madrileño del cantante y guitarrista Alberto Maroto (ex Dark Moor) con ganas de abrirse paso en la mermada escena rockera nacional, presentando su disco Enjoy The Ride, y haciendo un hard rock directo pero con abundantes melodías, un grupo con soltura y dominio del escenario, que hizo una apertura de show a la altura de la noche. Les deseamos lo mejor y que no cejen en el empeño de seguir haciendo hard rock de calidad del que tan necesitados estamos por aquí, últimamente.

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Tras la preparación de los “bártulos” correspondientes entre banda y banda, ahí estábamos ansiosos en las primeras filas de ver nuevamente a Tyketto, en esta ocasión venían a presentar su último trabajo Reach, un disco que nos dejó boquiabiertos el pasado año y además contábamos con el aliciente de que entre sus filas se encontraría el nuevo bajista, (nuevo en la banda) Chris Childs de Thunder y el guitarrista Chris Green sustituyendo a Brooke St. James y cuyo trabajo en este Reach fue impresionante. A las teclas Ged Rylands que tampoco es manco y a la batería, el único miembro de la banda original Michael Clayton cuya habilidad en los parches está ya más que constatada.
Estábamos ciertamente expectantes ya que habíamos leído que tras el concierto el día anterior en Zaragoza había tenido que retirarse a descansar ya que su voz estaba algo tocada.

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Se encienden las luces, y una sala que calculo cubrió casi el total de su aforo con el público de siempre y algunos críos jovencísimos aportando frescura al panorama de fans maduro ya de por sí. Y sale la banda, primera desilusión, Chris Childs no está, en su lugar otro bajista desconocido para mí y cuyo nombre aún no conozco. Con la misma intro de presentación de la banda, que abre su último disco en directo, arrancan con el potente Scream, resultó que la guitarra de Green no sonaba y tras algunos intentos del pipas de apañar el desaguisado tuvieron que parar el tema a la mitad para solucionar el problema y vuelta a empezar, el público no lo tomó en cuenta y animó igualmente a la banda. Los problemas técnicos del guitarrista continúan durante los siguientes tres temas pero la banda prosiguió como si nada, con Burning Down Inside, de su celebradísimo primer disco, Strengh in numbers que da título al disco con el mismo nombre y el potente Big Money del último.

A estas alturas Chris Green dejó la pedalera, cambio de guitarra y ya todo fluyó. Llegamos al momento tranquilo con Circle Of Wagons de su disco Scream, Danny Vaughn como siempre espectacular, con una voz fuera de lo común y un feeling de saltársele a uno las lágrimas, y ese punteo divino que tiene el tema, seguimos con la acústica y archiconocida Seasons donde Vaughn demuestra que si es grande haciendo shows eléctricos no lo es menos en el intimismo del acústico, Rescue Me donde el público se encontraba como en casa, Scream la maravillosa balada de su último trabajo, yo disfruté como una enana del increíble solo de guitarra del tema, y es que si Brooke St. James era bueno, el señor Green es una máquina. Sound Off también del último trabajo, que a pesar de ser un gran álbum, me da que el público no estaba tanto por disfrutar de los temas nuevos si no de ir a escuchar los clásicos de siempre, y es una lástima que la gente no se abra a escuchar los nuevos trabajos pero me da que es la tónica general de este nuestro género.

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Y pasamos a dos clásicos del repertorio, Wings y el temazo Heaven Tonight de los Waysted donde Vaughn formó parte allá por el 86, el cañero The Run y el clásico Lay Your Body Down donde el bajista sustituto demostró que si estaba en el escenario con una de las bandas más emblemáticas del hard rock de los 90 era por algo.
Aquí se despiden de nosotros, pero obviamente no íbamos a dejarlos ir sin que nos deleitarán con un par de clásicos más. The Last Sunset, tema acústico donde el batería se levantó de su banqueta para acompañar a las palmas.

El broche, ya os imagináis todos cuál es, pues sí, Forever Young uno de los temas más loados y cantados por los fans, no hace falta que os diga que el ánimo del público estaba más que alto, todos arriba cantando y saltando y sintiéndonos eternamente jóvenes, y es que por oír este tema en directo ya vale la pena pagar el precio del ticket.

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En definitiva, una gran concierto de Danny Vaughn y compañía, como cabía esperar, su voz estuvo en perfecto estado y un estado físico envidiable, aunque después nos enteraríamos que al día siguiente ya le quebró la voz, y de hecho suspendió el concierto de las Palmas. Nosotros fuimos afortunados y allí estuvimos y estaremos en los conciertos venideros. Y es que Tyketto nunca defrauda.

Alicia Albertos

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Enrico Sarzi “Drive Through” 2017 (Burning Minds Music Group) Review.

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Cover.jpgEl álbum debut de Enrico Sarzi, “Drive Through”, saldrá el 17 de noviembre a través de Street Symphonies Records / Burning Minds Music Group, distribuido por Sound Trek en Italia, AnderStein Music en Japón y Plastic Head en el resto del mundo. Después de trece años como frontman y compositor en la banda de hard rock Midnite Sun (con dos discos lanzados), y después de la prestigiosa experiencia con Moonstone Project (y la aparición de invitado en Shining Line), Enrico Sarzi finalmente está haciendo realidad su sueño : “Drive Through”, su primer álbum en solitario.

Desde la primera hasta la última nota y desde la primera hasta la última palabra, todo fue escrito por el propio cantante italiano para mostrar sus múltiples influencias: desde el hard rock británico de los 70 hasta el sonido Seattle de los 90, bien mezclado con el enfoque melódico típico de los 80 (especialmente para estribillos y teclados, todo arreglado profesionalmente por Marco Micolo), y sin olvidar un poco de música clásica italiana e internacional, otra de sus mayores influencias.

A Enrico le encanta llamar “Drive Through” como hard rock de fácil escucha, tomando influencias de Bad Company, Alice In Chains y Adèle. Después de la división de Midnite Sun, Enrico inmediatamente comenzó a trabajar para retomar algunas canciones antiguas que nunca antes habían visto la luz (siendo inadecuado en ese momento para el estilo de su antigua banda), y para componer algunas cosas nuevas también.

Al final se le ocurrió once canciones: diez en inglés y una en italiano. Después, trajo a algunos de sus viejos músicos de Midnite Sun, como el guitarrista Cristiano Vicini, el batería Alessandro Mori (Mitch Malloy, Axe, Ted Poley, Issa, Lionville, Viana, Kelly Keeling) y el bajista Marco “Sappa” Nicoli (Tragodia, Nightglow, The Unripes), aquí también como productor del álbum. A pesar de que era un disco personal, los arreglos de las canciones se hicieron como un trabajo de banda real y completo. Otros invitados son el saxofonista Stefano Avanzi en “Strange Freedom”, una balada preciosista llena de sentimiento y melodía. El pianista Alberto Valli y la cantante Luciana Buttazzo en la canción italiana “Cielo”. Me encanta los temas cantados en italiano y más cuando acompañan un piano y una voz femenina a su lado, en modo soprano. Una preciosidad. 

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Parece que Enrico y sus amigos simplemente se sentaron en el estudio a improvisar, para disfrutar de canciones que surgieron de pura inspiración “Drive Through”, inspirado en las carreras de Fórmula 1 (una de las grandes pasiones de Enrico), significa que cada paso importante en la vida inevitablemente debe pasar por un sacrificio, una penalización y un paso forzado en un camino secundario (esto es lo que “Drive Through” significa en automovilismo). Con suficiente pasión, incluso las pruebas más oscuras pueden ser superadas.

“Shameless” es una vuelta a los 70, hammonds y mucho groove, para reminiscencias muy rockeras. “Afraid to be myself” y “Drive through”son mucho más personales y muy en la onda de Bon Jovi de los nuevos tiempos, inlcuso Sarzi me recuerda mucho al de Jersey. Medios tiempos cargados de melancolías y añoranzas. Si queremos ese rock alernativo que se hacía en los 90, nada mejor que “Nothing to live for”. Te juro que cada vez que oigo cantar a este hombre me viene a la mente  Bon Jovi. 

“Let me go” es hard rock fresco, divertido y muy bailable, con riffs muy juguetones. Muy a la americana.  Si os gusta todo lo citado arriba no dudéis en haceros con él.

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Alain Concepcion & The Soul Men “Life Songs” 2017 Review.

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Eran mediados de los 70’s y el sello Motown se había establecido en las calles de Los Angeles y New York, lo que sonaba en la radio era Gladys Knight, Donny Hattaway, Diana Ross, The Temptations, Marvyn Gaye, James Brown etc. ¡Qué tiempos!
En una entrevista, el reconocido Ed Motta, músico y coleccionista famoso por sus más de 30.000 vinilos dijo, que la música real se había hecho hasta 1982, antes de la llegada de los sintetizadores y el HIP HOP. En este disco en vivo. Alain hace un homenaje a la música negra y nos deja ver que Ed tiene en gran parte mucha razón.

Se abre el telón con una composición propia de Alain, “Far Away “acompañado de THE SOUL MEN, Julio Vega al piano, José Gallardo al saxo ¡eso es todo! ¡Soul en estado puro!. Donde ya observamos que no hacían falta más músicos, y solo estos tres tipos van a ser en vivo algo grande, vienen los aplausos de pie … y estos tres tienen la osadía de interpretar a una de mis voces favoritas, y la inspiración de un centenar de músicos, el hombre que a los 27 años nos regaló uno de los mejores “en vivos” de la historia del Soul ¡Donny Hattaway! y su versión de “I love You More Than You’ll Never Know”. Y es que cada vez que oigo el álbum en vivo de Donny, pienso lo que debió haber sido estar presente ese día, ahora oyendo la versión de Alain estoy pensando exactamente en lo mismo, capturó a la perfección ese sentimiento, que solo la voz de Hattaway podía transmitir. ¡Gracias por ese pedazo de versión, Alain! que me ha puesto la piel de gallina y me ha robado una que otra lagrima. Sigue un clásico “California Dreaming”  un tema de Mamas & The Papas y que hacen una revisión del cover que hizo Bobby Womack en su primer disco en solitario.

“I Can Breathe Without You” un hermoso medio tiempo y otro tema propio de Alain, el cual he tenido que repetir varias veces y hace una antesala a la pieza maestra de Marvyn Gaye “I want you”, esta vez no suenan las Congas y los Bongos, ni esta Chuck Rayney o Wilton Felder en el bajo. Aquí abre Julio Vega en el piano, pero todo los créditos son para esa voz maravillosa de Alain y es que emular al príncipe del Soul no es nada fácil, pero lo ha hecho de una manera impecable ¡BRAVO¡

“It’s a crime” y la aparición de Eder Portales, la tercera invitada, para hacer un homenaje a la voz femenina más sensual de los 80s Sade y así como en la versión original, el piano y el saxofón le dieron vida a la canción, aquí lo hacen de nuevo y por supuesto, esto no hubiera sido posible sin la voz increíble de Eder. Tras haber homenajeado al príncipe del soul, el turno es para el padrino, ¡sí, ese mismo que están pensando! ¡James Brown! Con su “It’s a man World”, Esta canción es una completa adicción, se vuelve una necesidad para los sentidos, luego de oírla por primera vez, y la versión de Alain me hace pensar seriamente, en que si la Motown lo hubiera oído en los 70s, le hubieran grabado sin dudarlo un segundo. ¡Pedazo de voz!.

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Ya cerrando el telón el turno es de nuevo para el príncipe y su afamada “Let’s Get It On” que con el inolvidable “I’ve been really trying, baby” es inevitable emocionarse, para cerrar una composición de Leon Russel y quizás uno de los temas más famosos del prodigioso guitarrista, cantante y compositor George Benson “This Masquerade” tengo que decir que la versión de Alain y THE SOUL MEN me ha emocionado más que la original.

Un disco que me ha revuelto las emociones, me ha pasado de la alegría a la tristeza en un instante, y me ha hecho pensar de lo que es capaz la música cuando se interpreta de tal manera, como lo han hecho Alain, Julio y José.

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Luis Miguel Prada

Pretty Boy Floyd “Public Enemies” 2017 (Frontiers Music). Review.

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PRETTY_BOY_FLOYD_pe_Cover.jpgNo hace mucho tiempo, cuando el rock se trataba de pasar un buen rato, soltarse el pelo y crear caos y anarquía, cuatro chicos se juntaron en Hollywood y formaron una banda. El guitarrista de Nueva York Kristy Majors conectó con Steve Summers, el vocalista de la costa oeste, y sentó las bases de la banda de sus sueños. Trabajaban, escribían canciones y tocaban, tocaban y tocaban. La banda eligió el nombre de Pretty Boy Floyd porque parecía describirlos: cuatro adolescentes duros armados con guitarras y angustia adolescente, que se propusieron conquistar el mundo.

 Los nuevos fans de su música comenzaron a preguntarse qué no conocían el apogeo de la sordidez del rock de los 80 y principios de los 90. Una nueva generación de jóvenes que no nacieron cuando la banda surgió por primera vez, comenzó a descubrir su música. Los admiradores originales de la época y los nuevos fans encontraron un terreno común: el amor por la música de Pretty Boy Floyd, los shows sórdidos y los momentos divertidos. No importa lo que piensen los críticos, o las tendencias que hayan aparecido y desaparecido. Después de haber sobrevivido a muchos de los críticos que gritaron “nunca lo lograrán”, Pretty Boy Floyd continúan grabando y recorriendo el mundo ganando a  jóvenes y mayores.

“Public Enemies” es EXACTAMENTE lo que esperabas de estos experimentados veteranos de Sunset Strip. Un disco divertido destinado a ser tocado al máximo volumen para ayudar a olvidarse de las preocupaciones, de las cuales todos tenemos muchas en estos días.

Catorce temas muy cortos, casi ninguno por encima de los cuatro minutos, y llenos de explosividad glamera/rockera. Estás oyendo lo mismo que hace 20 años, sonido, voces y hasta producción. Nada parece haber cambiado. “Feel The Heat” o “Do Ya Wanna Rock” lo demuestran, la parte más hard rockera del cd. 

También tenemos cortes mucho más Glam, como “High School Queen” o “Girls All Over The World”, que suenan puramente Sunset Strip y te traerá a la mente a los Poison.

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Brilla con luz propia la magnífica y pegajosa “We Got The Power” que te dejará loco y sin sacártela de la cabeza. Brillantes melodías combinadas con grandes coros y un súper estribillo ganador. Un coqueto bajo y unas guitarras muy adicitvas.

Mucha fiesta y macarreo, dan ganas de estar de marcha el finde enero, así lo certifican, “American Dream”, “Run For Your Life”. Acabo de rejuvencer hasta llevar de nuevo melena.

Aquellas baladas de vídeos de MTV y estadios llenos con mecheros. ¿Os acordáis?, pues tenemos para ello “We Can’t Bring Back Yesterday” muy  Motley Crue y su buena época. Joder!!! Qué recuerdos! “Star Chaser” por ejemplo, te hace estar oyendo su mítico Leather Boyz with Electric Toyz, pero no sólo este tema, sino el conjunto entero, lo hará.

Un disco que te hace recobrar la vitalidad de antaño, con una banda que ha vuelto exactamente igual que lo dejó. Fescura, descaro y mucho ruockkkk.

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