North of South “New Latitudes” 2018 (Rockshots Records) Review.

Etiquetas

Críticas, Review, Viri

Desde León (España), North of South propone un metal mestizo de compleja clasificación que, a pesar de todo, podría ser definido como Metal Progresivo con influencias del Jazz, el Death, el Pop y la Música Latina.

Fundado por el guitarrista Chechu “NoS”, este proyecto surge del reto de intentar amalgamar elementos, aparentemente tan dispares, como la pegada melódica de At The Gates, los sones hispanos de Carlos Santana, la profundidad compositiva de Opeth, el pop con sustrato de The Police, la carga emotiva de Anathema y la intención camaleónica de Kate Bush.

Del mismo modo, la heterogénea influencia literaria de autores como Jorge Luis Borges, Orson Scott Card y William Shakespeare aflora en las canciones de “New Latitudes”, que, conceptualmente, gravita en torno a cuestiones como la grandeza de la condición humana y sus límites frente al universo, nuestras propias contradicciones personales y los misterios del tiempo.

“North of South” es un tipo diferente de Metal.

Para mi el atractivo, es el instrumental y compositivo. Lleno de mucha diversidad y belleza. Quizá el pero que le pongo, sea la voz en los temas cantados, y no en todos. Me imagino este disco cantado por alguien como Urban Breed.

Gran potencial de Chechu, y que estoy seguro sabrá sacar provecho de este debut. Música compleja, no digerible por las masas que buscan productos de fácil consumición. Arriesgado proyecto que va dirigido concretamente a personas con gran raíz en el metal progresivo pero con constantes evoluciones para diferentes vertientes musicales. 

“Crystal waters” O “Montreux” instrumentales y magníficamente ejecutadas, con una excelente guitarra solista. 

El álbum fue grabado en los estudios de Zoilo Unreal (Marín, Pontevedra), consolidado nombre en la escena del metal extremo español con presencia en bandas como Unreal Overflows, The Anthagonist y Unhuman Nature, y su lanzamiento mundial está previsto para este próximo 28 de septiembre.

Black Majesty “Children Of the Abyss” 2018 (Pride & Joy Music) Review.

Etiquetas

Críticas, Pride & Joy Music, Review, Viri

Más rápido y más fuerte. Black Majesty desde Australia está de vuelta con su
séptimo álbum ‘Children Of the Abyss’ en Pride & Joy Music.

Voces elegantes de John ‘Gio’ Cavaliere que lloran en el primer sencillo Dragons Unite, respaldado por la estruendosa sección rítmica de Evan Harris en el bajo y Ben Wignall en la batería. Solos de guitarra en abundancia, con Hanny Mohamed y Stevie Janevski recordando a sus héroes Judas Priest, Iron Maiden, Helloween y Queensryche.

Producido por Roland Grapow (Masterplan), el nuevo álbum Children of
The Abyss tiene una producción de clase mundial con canciones como Hideaway,
Something’s Going On que se convertirán en favoritas de los fans en en vivo.

Un estilo denostado cada vez más, y que estos chicos no quieren rendirse ante ello. Wars greed, es otro llanto en forma de canción, muy Helloween y bien enlazada. Always running, es veloz, puro Power Metal, con solos endiablados y grandes partes pesadas.

Me gusta oír discos que intentan guardar la esencia más fructuosa del estilo, y este trabajo lo consigue en casi todo el disco. Lonely sigue recordándome a la calabaza alemana, y la voz hace un gran trabajo. Sanctified, más heavy con unos riffs aplastantes y cabalgantes. enseguida me pongo a cabecear, de mis favoritas. Seguimos con el buen Metallll!!! Nothing forever, con un solo inicial que parece que le falte mástil y necesite llegar al cielo haciendo escalas. Es todo un himno para los cada vez menos jóvenes metaleros. 

Acabamos con este recorrido por mi juventud con Reach into the darkness a toda mecha. La batería a toda pastilla y donde creo que le sobra velocidad al tema para ganarme.

Otro álbum de Black Majesty que no pretenden engañar a nadie y ni experimentar. Sabes a lo que te enfrentas cuando le des al play, y como tal lo acepto. Yo lo he pasado muy bien. Me alegra mucho ver bandas que siguen manteniendo la llama encendida de tiempos mejores.

78%

Viri

 

 

MAD MAX “35” 2018 (Steamhammer / SPV) Review.

Etiquetas

Críticas, Padrino, Review

Estos veteranos alemanes hardrockeros MAD MAX lanzan su nuevo álbum “35”el 10 de agosto de este mes de 2018, el título es muy simple “35” tampoco se han roto mucho la cabeza pensando el título, supongo que será porque han pasado 35 años desde que se formó la banda, por lo que parece un título adecuado.

Han pasado cinco años desde que se lanzó su último álbum (Interceptor), pero Mad Max no es una banda que lanza álbumes para cumplir con una escala de tiempo establecida (lo que probablemente vuelve locos a su sello discográfico), sino esperar hasta que estén contentos de tener suficiente ideas e inspiración para escribir y grabar un nuevo álbum, es un enfoque que debe evitar cualquier compromiso de calidad para cumplir con los plazos, y escuchar el álbum que ciertamente parece ser el caso, ya que este es un gran álbum.

Después de 35 años como banda y una docena de lanzamientos de EPs y álbumes, puedes perdonar a una banda por tomarlo con calma, pero este álbum no muestra señales de que Mad Max se lo tome con calma, es tan fresco y lleno de energía como si fuera su debut.

Después de la introducción “The Hutch”, la primera canción es “Running to paradise”, una canción que fácilmente podría haber sido el primer single: es una canción fantástica.

“Beat of the heart” es un tema lo suficientemente fuerte como para atraer a los fans del hard rock y al mismo tiempo atraerá a los amantes del rock melódico y del AOR, otra gran canción.

La canción extra “Paris is burning” es una versión del tema de Dokken. Han hecho un excelente trabajo al respecto, manteniéndose fiel a la original, a la vez que le dan una sensación actualizada al agregar el sonido Mad Max. Suena más grande y mejor que el original gracias a una gran actuación de la banda y una excelente producción.

El resto de temas como siempre lo dejo a vuestra libre disposición para que seáis vosotros mismos los que os sorprendais de que a estos viejos rockeros no se les han acabado las ideas de seguir creando buena música.

Las voces son geniales, las guitarras pesadas y las canciones excelentes, un equilibrio perfecto entre metal y melodía. Son pegadizos y estoy seguro de que sonarán muy bien en vivo.

Un excelente álbum que vale la pena echarle un vistazo.

74%

Padrino

3.2 “The Rules Have Changed” 2018 (Frontiers Music) Review.

Etiquetas

Críticas, Frontiers music, Jesús Alijo Lux, Review

Treinta años han pasado desde que Robert Berry (ALLIANCE) juntara fuerzas con Keith Emerson y Carl Palmer, ambos de los genuinos, respetados y admirados EMERSON LAKE & PALMER para invocar a la numeración de la trinidad, el 3 como nombre de su nueva banda.

Sonrojaron, a unos ya condecorados ASIA, con un trabajo de fusión AOR y Rock Progresivo que embadurnaba la inocencia comercial de sus compatriotas a base de tangibles capas de seriedad y sofisticación, sin perder de vista el enfoque primario de unas composiciones realizadas para el agrado popular.

Treinta años en los que el tiempo ha hecho, como no, de las suyas, descolgando a un Palmer no excesivamente convencido del proyecto y, lo que es peor, separándonos de la carcasa de hueso, carne y hálito del excelso teclista Keith Emerson, quien sumido en una acuciante crisis expropiadora de la justa autovalidación de su capacidad creativa y compositiva, decidió poner fin a su existencia suicidándose.

Podríamos hablar de un disco póstumo de Emerson con toda su genialidad en impresión y reflejo de ampliación de Berry ante el infortunio (tenían avanzado mucho material) pero, bautizado nuevamente como 3, he de valorarlo como sucesor a “…To The Power Of Three”, lo que flaco favor le hace.

The Rules Have Changed concluye que el espesor melódico de antaño ahora se relega a trazos discontinuos, hermanos de leche de aquellas mágicas primeras ocho composiciones, hallando el devaneo Progresivo mayor radicalidad. Fluctúan composiciones que disienten de una continuidad espontánea, cediendo a enrevesados encajes de puzles armónicos fundidos en disonancias calculadas y, en intrigante evidencia, a la repetitiva ecuación que intercala y multiplica pasajes instrumentales basados en el protagonismo exacerbado de un sinfonismo que, en su mismo refuerzo, resulta innecesario.

Porciones, puntuales o cíclicas, de oberturas de pianos clásicos, progresión FOCUS-TULL, rimbombancia Jazz, omnipresencia y virtuosismo Emerson, sensibilidad y templanza New Age, versos QUEEN más complejos y acomplejados, instrumentación DREAM THEATRE versada en el dorado del Prog, juglarismo MAGNUM frente a los espacios en los que Berry, en su cruce vocal Marcie/Mark Free y Lou Gramm, encuentra intimidad para arrojar algo de inofensiva luz de neón con corriente alterna de los lejanos ochenta. El nivel instrumental, vocal e interpretativo queda asegurado.

Los temas, por separado, avanzan progresivamente y progresan adecuadamente pero, subyugados al conjunto y al orden, pasan a ser pasto difícilmente diferenciable.
Son los momentos más versátiles dentro de la distancia a esta disciplina marcial los que mejor soportan la criba atencional, como por ejemplo:

This Letter que da un merecido respiro con su hermosa acústica y la sentida voz de Berry, encajando los sucesivos adornos instrumentales sin extrañeza, otorgando dimensión y recreación. Aquí es imposible no alabar las transiciones perfectamente amansadas, la historia que nos hace embarcar a un momento idílico y la sensación de virtuosismo sin lastrar el propio sentido de comunicar.

La franqueza de la única instrumental completa, al finalizar el disco, Sailors Horn Pipe, en posesión de un carácter marcado por cierta anarquía cromática dentro de su orden cuasi cinematográfico.

O Powerful Man, exquisita en sus líneas vocales y el latido inalterable de su primera huella discográfica. Uno de los tres descartes de ese instante, podría apostar, que anunciaron tendrían su lugar en este disco.

Lástima que desde 1988 hayan pasado treinta años en los que todo se ha movido como si fueran sesenta, por ello, la esperanza del receptor, si convencida y arrinconada en el recuerdo, no pueda evitar susurrar en estas ocasiones: “Así me cuesta mantenerme”.
Encontrará su público, no lo dudo, pero se despedirá de sus fieles amantes de aquellos maravillosos años.

64%

Jesús Alijo Lux

Taste “Moral Decay” 2018 (Aor Heaven) Review.

Etiquetas

Aor heaven, Críticas, Review, Whizard

Siempre que leo que un disco lo hacen solo dos personas en la parte instrumental y vocal pienso… ¿esos chicos no tuvieron infancia? Y encima siendo hermanos que es más increíble todavía. Christoffer Borg vocalista, guitarra rítmica, guitarra solista, bajo y teclas y seguramente un genio del Fornite, y su hermano Felix Borg batería, guitarras acústicas, bajo y teclas, vamos que están para invitarles a una boda, al menos el personal te sale barato. Pero lo cierto es que estamos ante dos músicos de talla mundial, Christoffer con colaboraciones en estudios con Amaranthe, o Anthrax tiene una capacidad para componer temas que nos transportan a los legendarios años 80´s donde este estilo reinaba incluso en los reinos de la MTV no como ahora que resultan insufribles.

Y lo cierto es que es su segundo disco y lo han hecho realmente bien, con innovadoras ideas, unos coros que te recordarán a infinidad de bandas de culto de esos años donde el teclado y las guitarras compartían protagonismo a partes iguales. Sonidos AOR, AOR tech, e incluso partes de Westcoast nos deslumbran para preguntarse dónde demonios ha estado todos estos años como para no sacar discos tan buenos de forma más regular.

El disco abre con On the run un tema propio de un videojuego con teclas imperiales y sonidos de sintetizadores que tan bien dominan estos chicos en un tema instrumental genial, dando paso al disco con Alive, buenas guitarras y teclas en segundo plano para dejar a Christoffer casi solo a las vocales, terreno que domina muy bien, aunque creo que es mejor músico. Todo el tema te va a gustar, buenos giros vocales, arreglos por todos los sitios, sonidos en segundo plano que hay que componer y llevar a la práctica con sapiencia. Me llama especialmente la atención la técnica personal que tiene en las partes solistas de guitarra, muy rápido, con escalas imposibles de seguir a guitarras más corrientes. Sin duda pensaras que estas ante una de esas bandas americanas que reinaban en esos años, nada que ver con el AOR italiano de Frontiers o escandinavo.

Tiene puntería la gente de AOR Heaven para sacar discos de cierta calidad. Dangerous sigue en la línea de calidad de todo el disco, con buenas guitarras, buenas teclas con sabor añejo, y unas increíbles partes vocales, que en ciertos momentos me recuerdan a los mejores Asia del gigantesco John Wetton al que admiraré siempre. Muy buen tema, sobre todo el marcado estribillo increíblemente estilizado, y el solo de guitarra apabullante técnicamente y con una destreza soberbia.

On my shoulder empieza con una teclas hermosas y un sonido de guitarra de marcado acento ochentero buscado a propósito, sin duda es un disco para disfrutar todo el mundo, pero especialmente a los viejos rockeros como yo, que vivieron in situ todos estos grupos en su pleno apogeo y escuchábamos las emisoras de radio donde emitían estos temas tan legendarios. Otra vez me parece oír los viejos discos de Asia en las partes de “Chorus” y nos para nada una crítica, más bien al contrario, me encanta. Es difícil encontrar temas así hoy en día. Rainbow warrior otra vez me sorprende el protagonismo del teclado, además bien hecho, con sonidos estilo Go West, banda que tiene grandes discos más allá de temas para bandas sonoras de películas como Pretty Woman. Es sorprendente la semejanza con el estilo melódico que se hacía en USA en aquellos años. De hecho parece un tema de banda sonora de película protagonizada por Michael J. Fox. Aquellos años cuando Night Ranger reinaban con su Secret of my success… que tiempos. Es lo que consiguen grupos como Taste, que te meten en el De Lorian y transporta tu mente a aquellos años.

The fire inside sigue con este estilo, coros perfectamente estructurados y asombrosamente colocados durante el tema para que guste a grandes y pequeños, y ese solo de guitarra que me deja desarmado, parece discípulo de Yngwie por momentos. Adventureland es otro tratado de buen gusto, grandes momentos vocales, acompañados por una instrumentación de la más alta gama. Otra vez arreglos en segundo plano que percibirán los oídos bien entrenados y que tanto se disfrutan. Moral Decay además de dar título al disco, empieza con arreglos de teclas de belleza sublime, una parte vocal portentosa, dando al conjunto una belleza sin igual, un sonido que realmente se echa de menos para todos aquellos que mamamos este sonido en su momento. Es una mezcla de tantas bandas del momento, Giant, Strangeways, Night Ranger, incluso Fingerprints o Toys of Joy que sinceramente tiene mis ojos como platos escuchando la calidad que destila este disco. Y confieso que no lo aprecié bien en la primera escucha. Allí solo me gustó, ahora después de oírlo las veces adecuadas, estamos ante un disco distinto, bellísimo y de una inteligencia emocional tremenda. Es fascinante.

Pero si creías que el disco solo era azúcar glasé, My own worst enemy tiene una cantidad de hard rock proveniente de un sonido de guitarra bestial, pero con la melodía necesaria para destacar en un disco que merece mucho la pena. Las partes vocales otra vez sensacionales, desde que empieza el tema hasta que acaba estás entretenido. Otro solo de guitarra escandaloso por su nivel de dificultad tremendo. Lost in myself destila clase a raudales, sonidos de los Treat del Coup of Grace, estribillos asombrosos llenos de calidad y melodía. Sinceramente, creo que estamos ante uno de los discos del género melódico de mayor calidad y envergadura. Gran tema para meter en un disco random de temas de distintos grupos… llamará tu atención entre todo lo que tengas metido. Solo de guitarra estilo Le Tekro de sus primeros discos.

We are back deliciosamente bueno, bien construido, tiene ese toque de base AOR de catálogo. Sin duda me parece que es uno de esos discos que aparecen muy de vez en cuando, de esos que tienes que plantearte comprarlo porque con el mp3 no parece suficiente posesión. Artículos como este no se disfrutan, se poseen como esa joya que no te pones nunca, solo la tienes en tu caja fuerte para deleite tuyo y solo tuyo. Para nadie más. Sixteen years nos trae los recuerdos de cuando tenías 16 años, esos en los que no sabías que te iba a deparar la vida, y en mi caso, ya con medio siglo a mis espaldas nunca imaginé que mi vida sería así. El tema de una belleza tremenda, termina conquistando tu corazón ante el despliegue de calidad que derrocha por los cuatro costados un tema que te gustará desde la primera escucha. Soberbio.

Y para despedir este capítulo lleno de calidad, donde he disfrutado de un disco sinceramente inesperado, llega More than a thousand charades muy electrónico, sintetizador con gotas de calidad compositiva, instrumental que nos despide hasta la próxima vez, hasta que estos dos hermanos Borg decidan deleitarnos con otro soberbio trabajo como el que van a presentar a finales de agosto de este año. Será difícil superar esto, me parece un trabajo a una altura sideral, bonito, lleno de melodías nostálgicas para los que peinamos canas, y que como el anuncio ese que un adulto se mira en un escaparate y ve a un bebé, me ha quitado 30 años de encima.

El poder de la música es infinito.

91%

Whizard

King Company “Queen of hearts” 2018 (Frontiers Music) Review.

Etiquetas

Críticas, Frontiers music, Review, Whizard

Después de un debut fabuloso con su anterior disco One for the road lanzado en 2016, vuelven estos chicos finlandeses, King Company, con otra joya del Hard Rock potente y con melodía, tan bueno como su disco debut. Publican en agosto este Queen of hearts que sinceramente deberíais escuchar si os gusta este estilo donde bandas como Eclipse, Nordic Union, Jaded Heart etc brillan con luz propia. La pena es que para este disco no han podido contar con el vocalista de su disco debut Pasi Rantanen, con graves problemas vocales en 2017 que tuvo que ser reemplazado para la gira del pasado año por el italo-argentino Leonard F. Guillian, muy brillante también y con el que han decidido sacar este álbum, manteniendo a Parsi como productor.

Qué queréis que os diga… este estilo a mí particularmente me encanta, es pura adrenalina gracias entre otras cosas a un guitarra fabuloso Antti Wirman, que además de estar en su banda Warmen, es uno de los guitarristas que colabora con Children of Bodom para sus giras. Solo hay que escuchar cualquiera de sus solos en estos dos discos y te das cuenta que es una bestia poco conocida, pero que es habilidoso, rápido y tremendamente bueno.

No sabría deciros si me gusta más este, o su disco debut… ambos me parecen que rozan la perfección, temas tremendamente bien construidos, magníficamente bien interpretados con un nivel de profesionalidad tremendo.

El disco abre con Queen of hearts donde ya dejan claro desde la primera nota que estamos ante algo movido, rápido, gratificante, es un disco repleto de acción donde Tom Cruise no deja de correr como si una peli de Misión Imposible se tratara. El solo de Antti me deja literalmente con la boca abierta, al igual que el solo que se marca el teclista Jari Pailamo brillantísimo. Por cierto, que el dueño y líder de todo esto, el batería Mirka Rantanen suena tremendo. Otra bestia. One day in your life deja bien al vocalista actual de la banda, canta en un tono, muy alto, bien, y con soltura en temas realmente difíciles de interpretar si no tiene cuerdas vocales con capacidad de ejercer de secador de pelo de la gente de las primeras filas en un concierto. El solo de Antti es literalmente bestial, fuera de catálogo, un nivel de destreza al alcance de los mejores, siempre que lo oigo le doy un poco para atrás para volverlo a oír. Escuchar cosas tan buenas está cada vez más difícil.

Stars con algo más de tono melódico, bien podría estar en cualquier disco de bandas AOR, el estribillo me recuerda a bandas centroeuropeas estilo Blind Guardian o Edguy, pero solo el estribillo y coros. Gran tema sin duda. El solo de guitarra es como cuando estas sentado en la playa con las piernas dentro del agua, y ves venir una ola de esas que están llenas de espuma por arriba y te golpea como un puñetazo de Mike Tyson en toda la cara… brutal. Living in a hurricane es una montaña rusa llena de emociones, parece un ritmo sacado de cualquier disco de Billy Idol, teclas en segundo plano para decorar un tema distinto pero vibrante.

Under the spell tiene unos teclados perfectos antes del estribillo que son lo mejor del tema, el vocalista otra vez está perfecto, como el guitarrista con un solo brillante, dando paso a Never say goodbye, un tema abrumador, lleno de talento en cada uno de los casi 4 minutos que dura. Es difícil mejorar esta especie de medio tiempo lleno de energía, está tan bien compuesto que necesitas 893 escuchas solo para asegurarte que te gusta… como he hecho yo. La versión japonesa añade este tema en versión acústica porque el tema es de una de esas bellezas bizarras que se ven muy de vez en cuando.

Learn to fly es una cascada de energía con Antti sudando para mantener un ritmo vertiginoso hasta que llega el estribillo, que le obliga a mover la púa con la velocidad de las alas de un colibrí. El estribillo quizás no sea tan redondo como a mí me hubiese gustado pero el tema en general es tremendo para metértelo en un IPod para salir a hacer deporte. Berlín lleva todos los ingredientes de un tema tocado por el legendario Zakk Wilde, sonido de guitarra incluido. Aquí el vocalista se toma un merecido descanso para no forzar más de lo necesario su portentosa voz. Mención aparte para un estribillo sobresaliente junto a unas teclas de ensueño en segundo plano. El solo de guitarra diría que es un homenaje a Zakk en todo su esplendor. Las influencias de Antti son bastante claras. King for tonight tiene al comienzo todo lo que uno sueña al escuchar un tema de hard rock melódico… y es que esas teclas solo pueden estar compuestas por un genio de esto, parezca que todo el ejercito de la noche está preparado para cargar contra las bestias del ejercito orco. El desarrollo del tema es sobresaliente y me pregunto si no estamos ante el mejor tema del disco. El vocalista se pone el traje de superhéroe y vuela sobre el sonido de los instrumentos con una superioridad aplastante. Y eso que el desarrollo de la base instrumental es insuperable, todo está compuesto para ser servido bajo unos estándares de belleza absoluta. El estribillo es simplemente asombroso y el solo de guitarra es otro puñal que rasgará las entrañas de tu alma. Estamos ante un tema de esos que solo se componen muy de vez en cuando, las hadas y el tarro de las esencias del que os he hablado ya varias veces.

Claro que Living the dream llega también desde esas lejanas tierras de ese país llamado talento, un tema donde los teclados parecen violines tocados por ángeles de alas blancas que vienen a buscar tu corazón para dejarte sin palabras ante el descomunal trabajo de belleza inmensa que se desarrolla ante nosotros. Tu alma viajará a tierras inconquistadas, bosques infinitos rodeados de ríos y tu planeando por encima con la elegancia de un halcón con este tema metido en tu cabeza, en tu alma, enseñándote lo bella que puede ser la vida cuando estás escuchando temas así… nada más importa dentro de tu cerebro… temas inmortales que jamás renunciaras a disfrutar, porque temas así amigos míos son de los que ya no quedan, solo por escuchar esto merece la pena pagar el precio del CD, el precio de una entrada, o lo que toque pagar. Porque esto está tan por encima de la media que resulta abochornante para quien quiera componer algo así sin la formación adecuada. Este grado de belleza no está al alcance de casi nadie. Estamos en agosto y no recuerdo un tema que me haya emocionado tanto en lo que va de año.

Arrival llega para despedir el disco con otro despliegue de sonido aplastante, ese sonido “Wilde” que para los que somos fieles seguidores de Ozzy disfrutamos mucho. Siento decir que en mi caso con Black Label Society menos, no soporto la parte vocal, lo siento mucho. Aquí el vocalista sube y baja de tonos y estilos demostrando que domina su garganta con una habilidad portentosa. La parte de exhibición del teclista es fascinante, dando paso a un solo de guitarra marca de la casa, es decir aplastante. Le he pillado la matricula porque quedo rendido a sus pies, siempre me pasa con guitarras tan buenos.

La versión japonesa tiene el tema extra del Never say goodbye en acústico de gran belleza. Siempre sigo que si no tienes una gran voz, es muy arriesgado cantar un tema acústico porque llevas el peso del partido y si no llegas lo que haces es el ridículo. Y aquí Leonard demuestra que es buenísimo.

En resumen, un disco a la altura de su debut, sin duda se han dejado de experimentos y han vuelto a hacer un trabajo que gustará a los fans del One for the road y que ganará nuevos adeptos porque estamos ante una exhibición de talento en estado puro. Grandes músicos que ejecutan a la perfeccion grandes temas de Hard Rock, y eso es para disfrutarlo… mientras leeis esto, seguramente estaré en la piscina leyendo el libro, El fuego invisible de Javier Sierra junto a una mini nevera con 3 latas de cerveza sentado en mi hamaca oyendo por centésima vez el Living the dream, ¡maldito tema!.

95%

Whizard

Soul Basement “Oneness“ 2018. Review.

Etiquetas

Críticas, Luis Miguel Prada, Review

Octavo disco de Soul Basement y tercer disco en cuatro años, con el italiano Fabio Puglisi a la cabeza de este proyecto, que tanto en sus redes sociales como a lo largo de su carrera nos ha dejado ver que a la hora de oír música no se pone límites.

Tiene muy claro aquella frase de Miles Davis “La buena música es buena sin importar el género que sea“.

“Oneness“ juega perfecto para una tarde lluviosa en casa, las influencias de Gill-Scott, Barry White se sienten a lo largo de todo el disco…se ve que la producción ha sido muy cuidada y nos muestra que sin gran presupuesto se pueden hacer buenas cosas.

Tras oírlo por primera vez deja un buen sabor de boca…pero nos deja con ganas de más, vuelves a oír y el disco empieza a perder su encanto y refleja que en las 8 canciones Soul Basement no logra salirse del molde aunque por momentos parece intentarlo en pistas como “S.O.U.L” o “Count On Me“

Con “Oneness“ me queda la sensación que Soul Basement ha perdido una gran oportunidad de hacer un disco más compacto y redondo y no quedara solo para una tarde lluviosa…es mejor un disco cada más tiempo, y que todos recuerden…a 3 en 4 años que se evapore en el aire.

Pero algo está claro, el talento de Fabio junto a su gran conocimiento musical nos regalará un disco para recordar y hablar hasta la saciedad, y es que en cada disco nos muestra que cada vez está más cerca de lograrlo.

Tal vez este sea el momento de que Fabio de un paso atrás para dar dos adelante.

TRACKLISTING:
1. Better Days
2. Love To The People
3. S.O.U.L.
4. Slowly
5. Hang On In There
6. To Truly Be Free
7. Who Really Knows
8. Count On Me

http://www.soulbasement.com
http://www.facebook.com/soulbasementmusic

73%

Luis Miguel Prada

Enuff Z’nuff “Diamond Boy” 2018 (Frontiers Music) Review.

Etiquetas

Críticas, Frontiers music, Padrino, Review

Diamond Boy es el decimocuarto álbum de estudio de Enuff Z’nuff.

Las primeras canciones resaltan todo lo que hay que saber sobre Enuff Z’nuff: Líneas vocales con melodías pegadizas, ritmos poppys y un sonido general atmosférico y espacial.

“Diamond Boy”, la pista que da título al álbum comienza con una introducción que rompe y te da la sensación de que se te salen los oídos, como al bajar de un avión. Este es el primer álbum con Chip Z’Nuff, bajista de la banda, en la voz principal, no es el vocalista con más talento natural pero todavía funciona y le da un estilo único y realmente particular.

“Where Did You Go” y “We’re All The Same” muestran ambas, melodías vocales únicas que se refleja en gran parte del álbum, los coros van en la línea popera de lo que esperas de ellos dándole a todo un sonido único. Pero lo más importante es que es un sonido muy agradable y que recuerda mucho a temas sesenteros y setenteros de grandes del pop.

“Fire & Ice“, comienza un poco más suave, hay un efecto de eco en las voces que le da un ambiente espacial, el estribillo presenta una línea vocal que repite y zumba, es un estilo genial y ayuda a que la canción se destaque.

A pesar de que Diamond Boy es muy original y tiene un sonido único, definitivamente no aguanta bien, algunas de las canciones se pierden en un orden aleatorio, especialmente en mitad del disco donde la frescura comienza a desaparecer.

“Faith, Hope & Luv” contiene un riff groovy y una guitarra plana, tiene un sonido muy potente, y el bajo se destaca especialmente en el estribillo, el solo es genial en esta canción, la verdad es que todos los solos me gustan, cada tema tiene al menos uno. Los últimos dos temas son más lentos y relajados que la mayoría del resto del álbum.

“Dopesick” comienza con una guitarra metálica que luego da paso a teclados y tonos gruesos de bajo, se construye de nuevo desde un gran coro con guitarras potentes que sirve como un oportuno recordatorio de que Enuff Z’nuff es una banda de pop-rock y no solo una banda de pop. “Imaginary Man” parece flotar hacia arriba y hacia abajo melódicamente, llevado por los teclados con un sonido muy popy. Los coros  vuelven hacia el final de la pista, completando todo el círculo.

En definitiva es un álbum realmente divertido, es completamente agradable, algunas de las canciones se pierden un poco con el típico sonido familiar, pero finalmente son buenas canciones con suficiente carácter para mantener el álbum interesante.

55%

Padrino

Airrace “Untold Stories” 2018 (Frontiers Music) Review.

Etiquetas

Críticas, Frontiers music, Review, Viri

Una de las bandas pioneras de su estilo en el Reino Unido, Airrace se formó originalmente en 1982. La banda vuelve con su tercer trabajo “Untold Stories”, que se lanzará el 10 de agosto. No es el debut Aorero, está más influenciado por los 70. También hay un espectro mucho más amplio entre luces y sombras en las composiciones. Con una amplia gama de diferentes estilos musicales, desde ELO hasta Led Zep, y al reproducir esos sonidos, encontrarás muchas influencias a lo largo de esas décadas, por parte de su mastermind Laurie Mansworth y que por cierto, tiene a su hijo a los parches.

Su primer single elegido,  “Summer Rain”, es una canción veraniega, positiva, te llevará a un día soleado y a tu espíritu de vida. El nuevo cantante Adam Payne no lo hace nada mal, aunque yo echo mucho de menos a Keith Murrell. el resto de los chicos (incluido el afamado Rocky Newton de Lionheart) hacen una labor fantástica. El CD es un compendio muy completo de rock británico, centrando su música en algo más de rock clásico muy original. Una marca Airrace que solo ellos tienen y que sabes que es su estilo.

Temas rockeros bien ejecutados y que deja poco espacio a lo fácil y simple, ejemplos como “Men From The Boys” y en “Different But The Same” que suena muy Zeppelin.

En otro bloque, podemos destacar, las melodías por bandera como “Innocent”, rock melódico de alta cuna británica o “Come With Us” que te devuelve a los ochenta sin pestañear. Riffs contagiosos y ritmos pegajosos. También “Love Is Love” con un sonido actualizado a nuestra época y que sigue siendo gran rock melódico.

Otros de los singles “Eyes Like Ice”, es denominador Airrace, con esos típicos teclados, marcando el camino de madurez y con un Payne que canta con magnificencia absoluta. Me parece un disco tan completo, que a la cuarta escucha se convertirá en un abánico más amplio de matices. “New Skin” me devuelve a su debut de 1984 con ese rollito tan retro. ¡Tremendo tema!

“Lost” es la balada que necesitamos para ordenar ideas y analizar lo que tenemos. Nada destacable y simplona, me sirve para eso, pensar en lo anterior que os he escrito. Y me he dejado para el final, la que abre el álbum. “Running Out Of Time”, para que entendáis lo que es el estilo británico que propagaban en los ochenta, y que Airrace fueron pioneros. Reúne todos los condimentos necesarios para saborearlo como si viajáramos a ese momento.

Disco que estará en cotas muy altas este año a mi juicio.

92%

Viri

PHOENIX RISING “Ignite” 2018 Review.

Etiquetas

Críticas, Jesús Alijo Lux, Review

Sin apenas información sobre la banda me siento más libre a la hora de acogerme a mi derecho de abalanzarme sobre estas cuatro canciones que presentan PHOENIX RISING, y valorar sus desvelos. Son de Dallas, establecidos en Texas, y prometen.

Ignite se llama este EP en el que el sonido, inmaculado, deja ver claramente las intenciones del sexteto. Beber de la corriente americana liderada por LINKIN´ PARK y saciar su asimilación de forma sorprendente. Y es que no pocos son los elementos que les emparentan directamente con el multimillonario último gran producto de la industria crossover, manteniendo ese halo de distinción intuitiva para con el público más joven y ausencia de encorsetamiento en sus roles.

Rapeados rítmicos enfrentados a melosas voces, asaltados también por fraseos más viscerales, construyendo un foso vocal agitado y efectivo. Programaciones que distan de la obviedad, alcanzando cotos de caza sensorial para la élite perceptiva, uno de los grandes aciertos de este disco. Guitarras poco abrasivas que se acoplan perfectamente al sentido más popero de un Rock actual sin animalizar, y una base contundente que, unida a la impoluta producción, está destinada a reventar los subwoofers del equipo más pintado.

Lo importante, las canciones:
Do You Know abre estos escuetos y disfrutables minutos con intensidades de música electrónica y Rap de pronunciación combativa más que lírica, para posarse sobre un delicado estribillo de adornos maquinales y distorsiones caritativas. Un medio tiempo futurista mimado por la interpretación liberada.

Open You Up inicia de forma orquestal y ruptura maquinal, un tema de mayor linaje guitarrero dispersado por entre sus oníricos estribillos melódicos y estrofas nuevamente vomitadas con ferocidad silábica. Volviendo al tema de las orquestaciones, encuentro en ellas un especial cariño a bandas como los actuales WITHING TEMPTATION, lo que les imprime mayor carácter y seriedad frente a la avalancha de grupos que empiezan a jugar con su cableado y sus Macs.

If I Say prosigue con esa sensación que les arrima a los de los Países Bajos y sus más recientes devenires, ambientando recreativamente un single de calado seguro y mayor color en su estribillo. La belleza de la melodía coral y de su nítido timbre, nuevamente lidia con la bestia que hosca, contesta sin cortapisas. Es su seña y su pedigrí, un estilo tan cercano al denostado Nu – Metal como al Gótico menos oscuro y más pomposo, todo aliñado con empecinamiento juvenil.

Finalmente, Lights Out, con mayor potencia POWERMAN 5000, regusto MR MANSON y nasalidad FAITH NO MORE, sin salirse de su tiesto manifiesto, bota algo más predecible y monótona, rompiendo a su vez, la monotonía de las líneas generales.

Agradable encuentro con un estilo al que me cuesta prestarle la atención que en su momento le brindé, pero al que apenas cuesta trabajo dedicarle unas buenas escuchas cuando se ofrenda calidad. Futuro y razonamiento poseen, veremos lo que pasa ante una mayor exposición de temas. Les seguiremos la pista.

Discover Them.

Jesús Alijo Lux