JOHNNY GIOELI “One Voice” 2018 (Frontiers Music) Review.

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HARDLINE y AXEL RUDI PELL son las marcas de identidad más notorias de una carrera prolongada por décadas. Con los primeros, y junto a un elenco de músicos impresionantes, el vocalista facturó uno de los discos que se ha ganado, desde el momento de su edición, el calificativo de “quinta esencia” del Hard Rock melódico. Vaya, una jodida obra maestra.

Desde la deserción de Jeff Scott Soto, junto al guitarrista alemán por casi seis lustros, un seguro a la hora de escarbar en la idea obsesiva del “hacha” por recrear el sonido Blackmore en una visión predecible pero no exenta de calidad.

SKO & TORP “Heaven Is Our Side” 2018 Review.

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Encontrar el momento en el que encajar, en los devenires actuales de agitación masiva, un trabajo horneado al calor de los sentimientos más básicos, no es tarea fácil. Siempre derrochando billetes en el tren bala que es la vida, apearse de vez en cuando en una estación abandonada, lejos del bullicio, no sé a vosotros pero a mí se me antoja más que necesario.

RED DRAGON CARTEL “Patina” (Frontiers music) Review.

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Jack E Lee alcanzó las mieles del éxito tras pasar por el trampolín “lanza carreras” que siempre ha sido Míster Osbourne, cuyo ojo clínico para elegir guitarristas y convertirlos en iconos es infalible. Pero que nadie se equivoque, esto no nace de la nada. Jack E Lee ya era un portento de las seis cuerdas desde el segundo tres en que le oías destripar su instrumento y, con el mínimo de sensibilidad que tengas, como el Madman, pasa a formar parte de tus imprescindibles sin darte cuenta.

Seventh Wonder “Tiara” 2018 (Frontiers Music) Review.

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Spoiler al canto por si la nota no os orienta: la espera de ocho años ha merecido la pena, GRANDIOSO DISCO de Metal Progresivo el que nos ofrendan SEVENTH WONDER.
Momento ideal para, con la fama otorgada por los tres discos que han revitalizado la carrera de KAMELOT, gracias al excelso vocalista Tommy Karevic, nos acerquemos de nuevo a una banda que tiene todo el potencial para codearse con los todopoderosos del estilo.

Care Of Night “Love Equals War” 2018 (Aor Heaven) Review.

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El debut de la banda sueca CARE OF NIGHT podría figurar, sin ningún problema, en lo más alto de los rankings personales de centenares de amantes del AOR en el nuevo milenio. Un formidable larga duración donde realmente cohabitaba la magia primigenia del estilo con un enfoque premeditado puesto al día, quizás representado mayoritariamente por la senda de bandas como WORK OF ART, pero también, con la claridad de la visión de los grandes del género, fusionando retales de Westcoast con Hard melódico sueco, AOR sin adulterar con productos más procesados por otros sellos y un sentido de la interpretación fruto de la asimilación de álbumes clave para la comprensión del estilo.

Tres años después se aproximan su continuación y los interrogantes. ¿Habrá sido un sueño sin su eco correspondiente? ¿Seguiremos esperando a la banda magna que propulse al estilo a nuestra estratosfera sensorial? ¿Existirá el alma en la abultada escena melódica sueca? Habrá, existirá, será… Muchas preguntas que parcialmente se pueden apaciguar con este nuevo trabajo, suscitando otras muchas más, dependiendo de la fe que se deposite en un estilo que hace las veces de justiciero y ajusticiado en estos locos tiempos de clones y señoríos intocables, pero de nulo ejercicio de autocrítica.

Love Equals War no supera la impresión inicial de su primer LP, obviando su EP introductorio, pero manifiesta, con claridad, que esta formación pretende encontrar su propio camino y, además, con la refrenda de mantener, sin desorbitados artificios, un nivel compositivo e interpretativo superlativo. Lo cual nos lleva a una nueva duda, ¿es bueno el disco? Rotundamente afirmativo. Matizar: necesario. Es un gran disco que necesita ser escuchado sin la comparación (obvia) frente a su predecesor y, a su vez, ser dimensionado junto a los centenares de discos editados en los años recientes, reseñados y alabados por los diferentes medios. Y ahí resulta, sin excesivas conjeturas, ganador.

AOR sueco de base en absorción genérica multidisplinar y con las innecesarias, desde mi punto de vista, reiterativas pinceladas, (sobre todo en sus teclados) WOA, esta vez más arrinconadas.

El pilar fundamental del combo es la voz, alejada de arquetipos altamente estandarizados, de Calle Schönberg, quien siempre me recuerda a Daniel Zangger Borch, vocalista de un injustamente relegado al ostracismo cuarto disco de ALIEN, titulado Crash. A partir de ahí, todo un manual básico de supervivencia a la hora de encarar un disco AOR: Grandes coros (con la particularidad de contar con voces femeninas), teclados omnipresentes, guitarras acordes a la expresión seleccionada para la canción, detalles orfebres para distanciar a la vulgaridad y temas de precisión emotiva y atmósfera sin indulto para los rezagados afectivos, siempre con gran instrumentación. Además, incluyen un gran punto a su favor y no es “peccata minuta”, ya que es donde aprecio que flaquean multitud de bandas: equilibrio argumentativo para sostener al mismo nivel estrofas, puentes y estribillos, sin que unos resulten superfluos hasta alcanzar a los otros.

Imposible no ceder ante el tema homónimo y continuar enamorado como un quinceañero con Your Perfection (de inicio TNT Intuition y de un gusto maestro), She Leads You On (Un apareamiento furtivo y excitante entre SURVIVOR, WOA y ALIEN) o All I Got (precioso medio tiempo que, hasta que irrumpe el sello de Mr Sall, se me antoja como un remake del sonido Crash adornado con un solo al más puro estilo Sambora).
En otra liga juegan, por un lado, la elitista balada Cold As My Heart, donde el saxo embellece lo que, ya de por sí, brilla en la profundidad de la intención junto, por otro lado, a un diamante del tallado de la final At Last donde no dejo de pensar, parcialmente, en aquellos WHITEHEART del Tales of Wonder, meditativos y ambientales.

Sólido regreso de una formación renovada, hasta ligeramente reinventada, producida nuevamente por Erik Wigelius (WIGELIUS) y que merece atención encarecida. Los interrogantes los dejo para vuestro juicio, yo me doy por contestado a lo que realmente me apremia. Maravilloso.

82%

Jesús Alijo Lux

MIDNITE CITY “There Goes The Neighbourhood” 2018 (Aor Heaven) Review.

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Utilizando la adopción de uno de los acotados dialectos derivados de una vasta lengua madre (Hard Rock), MIDNITE CITY, con propósito obstinado, apelan a la fluidez de la interactuación en base a la predisposición que el receptor manifieste a la hora de evocar el recuerdo, con los pies en el presente, de un pasado añorado, para la mayoría de una gloria irrepetible.

Mantener una comunicación sana, despreocupada, lejos de diálogos inabarcables endiosados en sí mismos. Más bien una charla entre viejos amigos. Un reencuentro de esos que producen un hormigueo en el estómago, que acaba dejándote una sonrisa en los labios y que, a mayores, te devuelve una sensación placentera similar a traspasar el umbral del cálido hogar.

Hair Metal (nunca me gustó esta denominación de origen) adecentado con AOR y todos los elementos definitorios de ambas etiquetas: estribillos de asimilación inmediata, grandes coros con un grosor imponente, teclados dulcificados y dulcificantes, melodías inflamables de gancho asegurado y, sobre todo, desenfado y energía positiva previa al derrumbe de la industria discográfica.

En este caso una bandera ondea, la de los DANGER DANGER de sus dos primeros discos, por encima del abultado currículo de influencias esparcidas a lo largo y ancho del segundo trabajo de los ingleses (POISON, BLUE TEARS o TRIXTER podrían ser ejemplos), There Goes The Neighbourhood. Y es que la voz de Rob Wylde (también a la guitarra), actual vocalista de TIGERTAILZ, posee un deje Glam que no impide que en sus momentos más lúcidos mute en un alumno aventajado de Ted Poley.

Temas festivos como Here Comes The Party, Give Me Love, Life Ain´t Like This On The Radio o We´Re Gonna Make It (sublime) se codean con gemas melódicas altamente llamativas del pelaje de You Don´t Understand (maravillosa declinación con acento Pop), Tonight You´re All I Need (medio tiempo sobrecogedor), Heaven´s Falling (la eterna balada), Hard To Get Over you o Until The End. Todas con un gran nivel compositivo dentro de los parámetros de un estilo que, lejos de buscar la trascendencia, manifiestan un cometido de perpetuidad: disfrutar con facilidad de pequeños placeres pese a encontrarse con cierta linealidad en conjunto.

Instrumentalmente hablamos de una banda franca (Miles Meakin con un sólido trabajo de guitarras, Pete Newdeck de NEWMAN, TAINTED NATION y EDEN´S CURSE a la batería, producción y tejemanejes varios de estudio, Josh Williams al bajo y Shawn Charvette a los teclados, TODOS realizando fantásticos juegos vocales que, sin grandes artilugios, edifica un monumento a modo de homenaje para los caídos por la devastadora mano del entramado comercial musical, remembrando el aura glamuroso de los años ochenta y principios de los noventa.

Un redondo disfrutable que aunque no vaya a cambiar nuestra vida, sí nos hará montar en un DeLorean auditivo con destino a un momento en el que todo era más sencillo, más inocente y donde el entretenimiento encontraba menos trabas.

73%

Jesús Alijo Lux

 

Jay Soto “On The Verge” 2018 Review.

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Con una distinguida tarjeta de invitación (On The Verge, álbum) procedo a hacer acto de aparición en un salón de alta alcurnia, de ampulosas vistas cortejadas por el embrujo de la luna llena y el perfume de gotas a precio de petróleo. Allí procedo, auto arrinconado, a mezclarme, en actitud ligeramente anacoreta, con el lujo que desprende una concatenación de melodías elitistas que, en un mundo sin eslabones, podrían pasar perfectamente a la reproducción popular bajo techos generales.

Trajes sobrios de delicada etiqueta Westcoast, acompañados por ceñidos vestidos, imponentes y sensuales, elaborados con texturas Jazz, ligeras e insinuantes (Shower Your Love, Unwound, Fire and Ice), con todos sus complementos a relucir (joyas brillantes de instrumentación etérea), fundiéndose entre susurrantes pasos de baile por los que no se filtra ni una brizna de brisa y sonrisas veladas de complicidad de alta gama seductora (On the Verge, Here´s to Us, The Road).

El foco principal recae sobre el anfitrión, Jay Soto y sus ademanes pausados pero firmes, dulces y a la par confiados en el sentimiento de su inmaculada y cristalina interpretación. Un galán que alcanza la fibra con un discurso disciplinado (imposible no ser atravesado por las flechas de Cupido en la hermosa Evermore) pese a que no le tiemble el pulso a la hora de saltarse el guion para arrancarnos sonrisas de complicidad y aceptación con recursos adaptados (el discotequero My Time y la traducción Country Rock de última hora de barra en Black as Coal).

Sobre bandejas de reluciente plata se van interrumpiendo, periódicamente, las conversaciones con el maestro de ceremonias entre ofrendas instrumentales. Deliciosos canapés con secciones de viento que arropan y replican a la guitarra sedosa de míster Soto así como a sus dotes pianísticas (Yours Truly), y que no temen en desvanecerse por completo para completar la visión de un sueño, con ojos abiertos, de seis cuerdas afinadas en canto de sirena (Got Groove).

Una copa para tomar con calma, para dejar que las burbujas emerjan hacia nuestro paladar y, de esta manera, demostrarnos que el mundo no es ni blanco ni negro y que, entre sus grises, hay espacio para una alfombra roja, infrecuente, directa a los sentidos.
Desconecta.

81%

Jesús Alijo Lux

Groundbreaker “St” 2018 (Frontiers Music) Review.

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El deseo silencioso de un padre es que su criatura obtenga lo mejor de ambos progenitores. Nunca pretender la perfección de su carácter, pero sí animar las virtudes de su descendiente y guiarlo hasta alcanzar a dar lo mejor de sí mismo, corrigiendo sus errores.

Una vez obtenida la primera parte gracias al azar genético, la segunda, de mayor riesgo, ha de ser cultivada, con el paso del tiempo, en paciencia, tesón y altas dosis de permisividad. Y, en algún momento, te darás cuenta mirando a tu retoño, sin reparar en ello, del orgullo que te imprime su resolución ante cualquier nimio avatar que entorpezca sus acciones, un premio que atesoras hasta el final de tu existencia.
El primer vástago proveniente de la relación entre Robert Sall (WORK OF ART, W.E.T.) y Steve Overland (FM), unidos en segundas nupcias por Frontiers, no podía ser más gratificante, máxime cuando soy uno de los mayores detractores de estos híbridos vacía bolsillos que suelen ser los experimentos musicales reúne “celebrities” tan de moda en la actualidad.

Habiendo tomado el ADN más puro de, para mi gusto, los momentos álgidos de WOA, los de mayor intensidad AOR clásica (principalmente de su debut), contrarios al refrito Frontiers y, unidos al recuerdo primerizo de aquellos FM sin medicarse en el Blues, con un Overland centrado en las canciones y no en su lucimiento vocal desmedido (imposible no brillar con semejante voz), la pareja presenta en sociedad a su hermoso y rollizo primogénito de, esperemos, una abultada prole que mejore la raza.

AOR “made in the Eighties” con presencia actual en la comandancia de la producción pero con claro sabor y amor a una época dorada.

Teclados con un tapiz que no solo adorna, sella melodías injustamente olvidadas por compañeros afamados. Guitarras suaves y versátiles con solos efectivos, hasta virtuosos cuando requerido y arreglos necesarios. Pulso suficiente como para certificar que “este muerto está muy vivo” y, cómo no, pasajes vocales de ensueño, bien sea en estrofas altamente llamativas, puentes volátiles o estribillos ganadores.

Over My Shoulder, intensamente emocional, Will It Make You Love Me (donde se entrelazan de forma preciosa el deje compositivo de OVERLAND en su banda en solitario, en concreto con su segundo disco, y lo mejor de WORK OF ART), Tonight (favorecedor medio tiempo con guitarras HAREM SCAREM), la positiva Eighteen Till I Die (más FM imposible) o The Sound of a Broken Heart (una clara ganadora a medio camino entre los 90 e himno 80´s).

Y es que así podría etiquetar cada tema hasta llegar al final de un disco que, sin ofrecer nada nuevo, consigue justo lo contrario, sonar como muy pocos podrían en este género, creando así singularidad, toda una paradoja.

De los artistas principales poco que decir, IMPRESIONANTES, voz y guitarra respectivamente en inspiración superlativa. El resto de la banda, Nalley Pahlsson (TREAT, THERION) al bajo, Herman Furin (WORK OF ART) batería y, una vez más, Alessandro Del Vecchio a los teclados adicionales y producción, cohesionan un regreso del pasado al futuro creíble, admirable y sobre todo, apasionante.
Como bonus track incluyen una versión acústica de la cándida balada Someting Worth Fighting For.

Si sólo vas a darle un par de escuchas a este disco y conjeturar que es más de lo mismo, te voy a dar un consejo: Deja que este niño empiece a andar e interactuar, pasarás grandes momentos y animarás a sus padres a que vayan a por el segundo. Te harás un favor.

82%

Jesús ALijo Lux

THE FACEPLANTS “Animalistic” 2018 English Review.

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Do you remember the movie “In & Out” directed by Frank Oz and inspired by the speech that Tom Hanks, after receiving the gold statuette by Philadelphia, proffered before the astonished gaze of those present remembering two, I quote, two good gay American people? Kevin Kline gave life to the high school teacher who, in one of the most celebrated scenes of this film, and taken to the limit of his nerves, between histrionic tones of voice and fuss, leaps forward as the exit from the closet and towards back to him, repeating it in a hilarious way for the audience to shout with the slogan: “inside-out”.

Film moment, leaving aside the sexual connotations, to illustrate the feeling that the debut of the Vancouver band THE FACEPLANTS has given me . And I’ve had the really nice motivation to meet with an old-fashioned band that, in a forward momentum, puts its concerns in the ROCK to, in a meditated temporal lapse, go back to the POP of supreme elegance, reiterating its dance to tone up your figure, without unnecessary fussiness at the time of putting on annoying colorful tights as well as making a hem on a cowboy or hanging a shiny leather jacket. As in that era of limited labels that were the eighties, in which the great groups recorded in our emotional retina drank indistinctly from both sources with a clear taste of timelessness.

From MAROON 5 to QUEEN, passing by, SHINEDOWN, POLICE, MUSE, SURVIVOR, STEVIE WONDER, ELTHON JOHN, ALIENT ANT FARM, side effects of the world scene Hard Rock millionaire revenue and a classic recycled aroma that, far from impaling, accelerates the ascension of endorphins through musical slaps in disuse, those apparently rusted by the abuse of many bands born to die when leaving the lists.

With a ferrous composing core, with challenging instrumental skills, they find in the vocal power of Dan Botch an ideal complement, of winning perspective, and to which the pulse does not tremble when inflating, bareback, the necessary pomposity to be placed in a league of inerts stars that only shine, at this moment, through the distorted echo of their own successes.

Animal breaks and reconstructs tradition with clear signs of reinvention. Unholy restores the lost connection between hymns and current popular commerciality. Who Am I Inside is a bridge predisposed to the AOR mecha that threatens in its stanzas and the gasoline of youthful emotions that drip seeping into its refrains. Impossible not to burn without finishing burned.

Devil in a White Dress understands Glam, adopts Funk, sponsors Rock and forgives the excesses of a trio captured on the scene by the mobile generation. Portrait Of A Woman had filled minutes in any tape of the eighties designed both to fall in love with that classmate who ignored us, and to love and hate, in silence and in tears, to that moment when we realized that we had been broken the heart for the first time. 

The World I Know, one of the best songs I’ve heard this summer, should be broadcast on each Rock station with a continuous rotation with the insidious objective of invading the world and colonizing the vulgar, dethroning every vestige of the prevailing mediocrity.

Sweet Living Sickness / The Journey closes this magnificent work, to which we must add an intro and an interlude, in a superlative way, in a tradition coined under its own name, combining the epic and the versatility of the trade, without skimping the detail or haggling its value.

Hopefully they maintain their ambiguity for a long time, leap forward, jump back, whoever hears them will know their condition and that can not be judged, they only have to feel comfortable.

78%

Jesús ALijo Lux

THE FACEPLANTS “Animalistic” 2018 Review.

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Críticas, Jesús Alijo Lux, Review

¿Recuerdan la película “In &Out” dirigida por Frank Oz e inspirada en el discurso que Tom Hanks, tras recibir la estatuilla dorada por Philadelphia, profirió ante la atónita mirada de los presentes recordando a dos, cito textualmente, dos buenas personas americanas gays?

Kevin Kline dio vida al profesor de secundaria al que, en una de las escenas más celebradas de dicho film, y llevado al límite de sus nervios, entre histriónicos tonos de voz y aspavientos, salta hacia adelante haciendo las veces de salir del armario y hacia atrás volviendo a él, repitiéndolo de forma hilarante para el desternille del público con la consigna: “dentro-fuera”.

Momento cinematográfico, dejando aparte las connotaciones sexuales, para ilustrar la sensación que me ha producido el debut de la banda de Vancouver THE FACEPLANTS. Y es que he tenido la motivación realmente grata de encontrarme con una banda a la antigua usanza que, en un impulso hacia adelante posa sus inquietudes en el ROCK para, en un lapsus temporal meditado, volver hacia atrás al POP de elegancia suprema, reiterando su baile para tonificar su figura, sin pudores innecesarios a la hora de calzarse trasnochadas mallas coloristas así como realizar un dobladillo en un vaquero o colgarse una chupa reluciente de cuero. Como en aquella época de etiquetas limitadas que fueron los años ochenta, en la que los grandes grupos grabados en nuestra retina emocional bebían indistintamente de ambas fuentes con un claro sabor de atemporalidad.

De MAROON 5 a QUEEN, pasando por, SHINEDOWN, POLICE, MUSE, SURVIVOR, STEVIE WONDER, ELTHON JOHN, ALIENT ANT FARM, efectos secundarios de la escena mundial Hard Rock de rédito millonario y un aroma a clásico reciclado que, lejos de empalagar, acelera la ascensión de endorfinas a través de bofetones musicales en desuso, aquellos aparentemente oxidados por el abuso de multitud de bandas nacidas para morir al salir de las listas.

De núcleo compositivo férreo, con competencias instrumentales desafiantes, encuentran en la potencia vocal de Dan Botch un complemento idóneo, de perspectiva ganadora, y al que no le tiembla el pulso al inflar, a pelo, la pomposidad necesaria para colocarse en una liga de inertes estrellas que solo brillan, en este momento, a través del eco distorsionado de sus propios éxitos.

Animal rompe y reconstruye tradición con claros visos de reinvención. Unholy restablece la conexión perdida entre himnos y comercialidad popular actual.
Who Am I Inside es un puente predispuesto a la mecha AOR que amenaza en sus estrofas y a la gasolina de emociones juveniles que gotea filtrándose en sus estribillos. Imposible no arder sin acabar quemado.

Devil in a White Dress comprende al Glam, adopta al Funk, apadrina al Rock y perdona los excesos de un trío capturado en la escena por la generación móvil.
Portrait Of A Woman hubiera rellenado minutos en cualquier cinta de los ochenta destinada tanto a enamorar a aquella compañera de clase que nos ignoraba, como para amar y odiar, en silencio y entre lágrimas, a aquel momento en que nos dimos cuenta que nos habían roto el corazón por primera vez.

The World I Know, uno de los mejores temas que he escuchado este verano, debiera ser radiado en cada emisora Rock con una rotación continua con el objetivo insidioso de invadir el mundo y colonizar al vulgo, destronando cada vestigio de la mediocridad imperante.

Sweet Living Sickness/The Journey cierra este magnífico trabajo, al que debemos sumarle una intro y un interludio, de forma superlativa, en una tradición acuñada bajo su propio nombre, aunando la épica y la versatilidad del comercio, sin escatimar el detalle ni regatear su valor.

Ojalá mantengan su ambigüedad durante mucho tiempo, salto adelante, salto atrás, quien les escuche sabrá de su condición y eso no se puede juzgar, ellos solo han de sentirse cómodos.

78%

Jesús Alijo Lux