Care Of Night “Love Equals War” 2018 (Aor Heaven) Review.

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El debut de la banda sueca CARE OF NIGHT podría figurar, sin ningún problema, en lo más alto de los rankings personales de centenares de amantes del AOR en el nuevo milenio. Un formidable larga duración donde realmente cohabitaba la magia primigenia del estilo con un enfoque premeditado puesto al día, quizás representado mayoritariamente por la senda de bandas como WORK OF ART, pero también, con la claridad de la visión de los grandes del género, fusionando retales de Westcoast con Hard melódico sueco, AOR sin adulterar con productos más procesados por otros sellos y un sentido de la interpretación fruto de la asimilación de álbumes clave para la comprensión del estilo.

Tres años después se aproximan su continuación y los interrogantes. ¿Habrá sido un sueño sin su eco correspondiente? ¿Seguiremos esperando a la banda magna que propulse al estilo a nuestra estratosfera sensorial? ¿Existirá el alma en la abultada escena melódica sueca? Habrá, existirá, será… Muchas preguntas que parcialmente se pueden apaciguar con este nuevo trabajo, suscitando otras muchas más, dependiendo de la fe que se deposite en un estilo que hace las veces de justiciero y ajusticiado en estos locos tiempos de clones y señoríos intocables, pero de nulo ejercicio de autocrítica.

Love Equals War no supera la impresión inicial de su primer LP, obviando su EP introductorio, pero manifiesta, con claridad, que esta formación pretende encontrar su propio camino y, además, con la refrenda de mantener, sin desorbitados artificios, un nivel compositivo e interpretativo superlativo. Lo cual nos lleva a una nueva duda, ¿es bueno el disco? Rotundamente afirmativo. Matizar: necesario. Es un gran disco que necesita ser escuchado sin la comparación (obvia) frente a su predecesor y, a su vez, ser dimensionado junto a los centenares de discos editados en los años recientes, reseñados y alabados por los diferentes medios. Y ahí resulta, sin excesivas conjeturas, ganador.

AOR sueco de base en absorción genérica multidisplinar y con las innecesarias, desde mi punto de vista, reiterativas pinceladas, (sobre todo en sus teclados) WOA, esta vez más arrinconadas.

El pilar fundamental del combo es la voz, alejada de arquetipos altamente estandarizados, de Calle Schönberg, quien siempre me recuerda a Daniel Zangger Borch, vocalista de un injustamente relegado al ostracismo cuarto disco de ALIEN, titulado Crash. A partir de ahí, todo un manual básico de supervivencia a la hora de encarar un disco AOR: Grandes coros (con la particularidad de contar con voces femeninas), teclados omnipresentes, guitarras acordes a la expresión seleccionada para la canción, detalles orfebres para distanciar a la vulgaridad y temas de precisión emotiva y atmósfera sin indulto para los rezagados afectivos, siempre con gran instrumentación. Además, incluyen un gran punto a su favor y no es “peccata minuta”, ya que es donde aprecio que flaquean multitud de bandas: equilibrio argumentativo para sostener al mismo nivel estrofas, puentes y estribillos, sin que unos resulten superfluos hasta alcanzar a los otros.

Imposible no ceder ante el tema homónimo y continuar enamorado como un quinceañero con Your Perfection (de inicio TNT Intuition y de un gusto maestro), She Leads You On (Un apareamiento furtivo y excitante entre SURVIVOR, WOA y ALIEN) o All I Got (precioso medio tiempo que, hasta que irrumpe el sello de Mr Sall, se me antoja como un remake del sonido Crash adornado con un solo al más puro estilo Sambora).
En otra liga juegan, por un lado, la elitista balada Cold As My Heart, donde el saxo embellece lo que, ya de por sí, brilla en la profundidad de la intención junto, por otro lado, a un diamante del tallado de la final At Last donde no dejo de pensar, parcialmente, en aquellos WHITEHEART del Tales of Wonder, meditativos y ambientales.

Sólido regreso de una formación renovada, hasta ligeramente reinventada, producida nuevamente por Erik Wigelius (WIGELIUS) y que merece atención encarecida. Los interrogantes los dejo para vuestro juicio, yo me doy por contestado a lo que realmente me apremia. Maravilloso.

82%

Jesús Alijo Lux

MIDNITE CITY “There Goes The Neighbourhood” 2018 (Aor Heaven) Review.

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Utilizando la adopción de uno de los acotados dialectos derivados de una vasta lengua madre (Hard Rock), MIDNITE CITY, con propósito obstinado, apelan a la fluidez de la interactuación en base a la predisposición que el receptor manifieste a la hora de evocar el recuerdo, con los pies en el presente, de un pasado añorado, para la mayoría de una gloria irrepetible.

Mantener una comunicación sana, despreocupada, lejos de diálogos inabarcables endiosados en sí mismos. Más bien una charla entre viejos amigos. Un reencuentro de esos que producen un hormigueo en el estómago, que acaba dejándote una sonrisa en los labios y que, a mayores, te devuelve una sensación placentera similar a traspasar el umbral del cálido hogar.

Hair Metal (nunca me gustó esta denominación de origen) adecentado con AOR y todos los elementos definitorios de ambas etiquetas: estribillos de asimilación inmediata, grandes coros con un grosor imponente, teclados dulcificados y dulcificantes, melodías inflamables de gancho asegurado y, sobre todo, desenfado y energía positiva previa al derrumbe de la industria discográfica.

En este caso una bandera ondea, la de los DANGER DANGER de sus dos primeros discos, por encima del abultado currículo de influencias esparcidas a lo largo y ancho del segundo trabajo de los ingleses (POISON, BLUE TEARS o TRIXTER podrían ser ejemplos), There Goes The Neighbourhood. Y es que la voz de Rob Wylde (también a la guitarra), actual vocalista de TIGERTAILZ, posee un deje Glam que no impide que en sus momentos más lúcidos mute en un alumno aventajado de Ted Poley.

Temas festivos como Here Comes The Party, Give Me Love, Life Ain´t Like This On The Radio o We´Re Gonna Make It (sublime) se codean con gemas melódicas altamente llamativas del pelaje de You Don´t Understand (maravillosa declinación con acento Pop), Tonight You´re All I Need (medio tiempo sobrecogedor), Heaven´s Falling (la eterna balada), Hard To Get Over you o Until The End. Todas con un gran nivel compositivo dentro de los parámetros de un estilo que, lejos de buscar la trascendencia, manifiestan un cometido de perpetuidad: disfrutar con facilidad de pequeños placeres pese a encontrarse con cierta linealidad en conjunto.

Instrumentalmente hablamos de una banda franca (Miles Meakin con un sólido trabajo de guitarras, Pete Newdeck de NEWMAN, TAINTED NATION y EDEN´S CURSE a la batería, producción y tejemanejes varios de estudio, Josh Williams al bajo y Shawn Charvette a los teclados, TODOS realizando fantásticos juegos vocales que, sin grandes artilugios, edifica un monumento a modo de homenaje para los caídos por la devastadora mano del entramado comercial musical, remembrando el aura glamuroso de los años ochenta y principios de los noventa.

Un redondo disfrutable que aunque no vaya a cambiar nuestra vida, sí nos hará montar en un DeLorean auditivo con destino a un momento en el que todo era más sencillo, más inocente y donde el entretenimiento encontraba menos trabas.

73%

Jesús Alijo Lux

 

Jay Soto “On The Verge” 2018 Review.

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Con una distinguida tarjeta de invitación (On The Verge, álbum) procedo a hacer acto de aparición en un salón de alta alcurnia, de ampulosas vistas cortejadas por el embrujo de la luna llena y el perfume de gotas a precio de petróleo. Allí procedo, auto arrinconado, a mezclarme, en actitud ligeramente anacoreta, con el lujo que desprende una concatenación de melodías elitistas que, en un mundo sin eslabones, podrían pasar perfectamente a la reproducción popular bajo techos generales.

Trajes sobrios de delicada etiqueta Westcoast, acompañados por ceñidos vestidos, imponentes y sensuales, elaborados con texturas Jazz, ligeras e insinuantes (Shower Your Love, Unwound, Fire and Ice), con todos sus complementos a relucir (joyas brillantes de instrumentación etérea), fundiéndose entre susurrantes pasos de baile por los que no se filtra ni una brizna de brisa y sonrisas veladas de complicidad de alta gama seductora (On the Verge, Here´s to Us, The Road).

El foco principal recae sobre el anfitrión, Jay Soto y sus ademanes pausados pero firmes, dulces y a la par confiados en el sentimiento de su inmaculada y cristalina interpretación. Un galán que alcanza la fibra con un discurso disciplinado (imposible no ser atravesado por las flechas de Cupido en la hermosa Evermore) pese a que no le tiemble el pulso a la hora de saltarse el guion para arrancarnos sonrisas de complicidad y aceptación con recursos adaptados (el discotequero My Time y la traducción Country Rock de última hora de barra en Black as Coal).

Sobre bandejas de reluciente plata se van interrumpiendo, periódicamente, las conversaciones con el maestro de ceremonias entre ofrendas instrumentales. Deliciosos canapés con secciones de viento que arropan y replican a la guitarra sedosa de míster Soto así como a sus dotes pianísticas (Yours Truly), y que no temen en desvanecerse por completo para completar la visión de un sueño, con ojos abiertos, de seis cuerdas afinadas en canto de sirena (Got Groove).

Una copa para tomar con calma, para dejar que las burbujas emerjan hacia nuestro paladar y, de esta manera, demostrarnos que el mundo no es ni blanco ni negro y que, entre sus grises, hay espacio para una alfombra roja, infrecuente, directa a los sentidos.
Desconecta.

81%

Jesús Alijo Lux

Groundbreaker “St” 2018 (Frontiers Music) Review.

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El deseo silencioso de un padre es que su criatura obtenga lo mejor de ambos progenitores. Nunca pretender la perfección de su carácter, pero sí animar las virtudes de su descendiente y guiarlo hasta alcanzar a dar lo mejor de sí mismo, corrigiendo sus errores.

Una vez obtenida la primera parte gracias al azar genético, la segunda, de mayor riesgo, ha de ser cultivada, con el paso del tiempo, en paciencia, tesón y altas dosis de permisividad. Y, en algún momento, te darás cuenta mirando a tu retoño, sin reparar en ello, del orgullo que te imprime su resolución ante cualquier nimio avatar que entorpezca sus acciones, un premio que atesoras hasta el final de tu existencia.
El primer vástago proveniente de la relación entre Robert Sall (WORK OF ART, W.E.T.) y Steve Overland (FM), unidos en segundas nupcias por Frontiers, no podía ser más gratificante, máxime cuando soy uno de los mayores detractores de estos híbridos vacía bolsillos que suelen ser los experimentos musicales reúne “celebrities” tan de moda en la actualidad.

Habiendo tomado el ADN más puro de, para mi gusto, los momentos álgidos de WOA, los de mayor intensidad AOR clásica (principalmente de su debut), contrarios al refrito Frontiers y, unidos al recuerdo primerizo de aquellos FM sin medicarse en el Blues, con un Overland centrado en las canciones y no en su lucimiento vocal desmedido (imposible no brillar con semejante voz), la pareja presenta en sociedad a su hermoso y rollizo primogénito de, esperemos, una abultada prole que mejore la raza.

AOR “made in the Eighties” con presencia actual en la comandancia de la producción pero con claro sabor y amor a una época dorada.

Teclados con un tapiz que no solo adorna, sella melodías injustamente olvidadas por compañeros afamados. Guitarras suaves y versátiles con solos efectivos, hasta virtuosos cuando requerido y arreglos necesarios. Pulso suficiente como para certificar que “este muerto está muy vivo” y, cómo no, pasajes vocales de ensueño, bien sea en estrofas altamente llamativas, puentes volátiles o estribillos ganadores.

Over My Shoulder, intensamente emocional, Will It Make You Love Me (donde se entrelazan de forma preciosa el deje compositivo de OVERLAND en su banda en solitario, en concreto con su segundo disco, y lo mejor de WORK OF ART), Tonight (favorecedor medio tiempo con guitarras HAREM SCAREM), la positiva Eighteen Till I Die (más FM imposible) o The Sound of a Broken Heart (una clara ganadora a medio camino entre los 90 e himno 80´s).

Y es que así podría etiquetar cada tema hasta llegar al final de un disco que, sin ofrecer nada nuevo, consigue justo lo contrario, sonar como muy pocos podrían en este género, creando así singularidad, toda una paradoja.

De los artistas principales poco que decir, IMPRESIONANTES, voz y guitarra respectivamente en inspiración superlativa. El resto de la banda, Nalley Pahlsson (TREAT, THERION) al bajo, Herman Furin (WORK OF ART) batería y, una vez más, Alessandro Del Vecchio a los teclados adicionales y producción, cohesionan un regreso del pasado al futuro creíble, admirable y sobre todo, apasionante.
Como bonus track incluyen una versión acústica de la cándida balada Someting Worth Fighting For.

Si sólo vas a darle un par de escuchas a este disco y conjeturar que es más de lo mismo, te voy a dar un consejo: Deja que este niño empiece a andar e interactuar, pasarás grandes momentos y animarás a sus padres a que vayan a por el segundo. Te harás un favor.

82%

Jesús ALijo Lux

THE FACEPLANTS “Animalistic” 2018 English Review.

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Do you remember the movie “In & Out” directed by Frank Oz and inspired by the speech that Tom Hanks, after receiving the gold statuette by Philadelphia, proffered before the astonished gaze of those present remembering two, I quote, two good gay American people? Kevin Kline gave life to the high school teacher who, in one of the most celebrated scenes of this film, and taken to the limit of his nerves, between histrionic tones of voice and fuss, leaps forward as the exit from the closet and towards back to him, repeating it in a hilarious way for the audience to shout with the slogan: “inside-out”.

Film moment, leaving aside the sexual connotations, to illustrate the feeling that the debut of the Vancouver band THE FACEPLANTS has given me . And I’ve had the really nice motivation to meet with an old-fashioned band that, in a forward momentum, puts its concerns in the ROCK to, in a meditated temporal lapse, go back to the POP of supreme elegance, reiterating its dance to tone up your figure, without unnecessary fussiness at the time of putting on annoying colorful tights as well as making a hem on a cowboy or hanging a shiny leather jacket. As in that era of limited labels that were the eighties, in which the great groups recorded in our emotional retina drank indistinctly from both sources with a clear taste of timelessness.

From MAROON 5 to QUEEN, passing by, SHINEDOWN, POLICE, MUSE, SURVIVOR, STEVIE WONDER, ELTHON JOHN, ALIENT ANT FARM, side effects of the world scene Hard Rock millionaire revenue and a classic recycled aroma that, far from impaling, accelerates the ascension of endorphins through musical slaps in disuse, those apparently rusted by the abuse of many bands born to die when leaving the lists.

With a ferrous composing core, with challenging instrumental skills, they find in the vocal power of Dan Botch an ideal complement, of winning perspective, and to which the pulse does not tremble when inflating, bareback, the necessary pomposity to be placed in a league of inerts stars that only shine, at this moment, through the distorted echo of their own successes.

Animal breaks and reconstructs tradition with clear signs of reinvention. Unholy restores the lost connection between hymns and current popular commerciality. Who Am I Inside is a bridge predisposed to the AOR mecha that threatens in its stanzas and the gasoline of youthful emotions that drip seeping into its refrains. Impossible not to burn without finishing burned.

Devil in a White Dress understands Glam, adopts Funk, sponsors Rock and forgives the excesses of a trio captured on the scene by the mobile generation. Portrait Of A Woman had filled minutes in any tape of the eighties designed both to fall in love with that classmate who ignored us, and to love and hate, in silence and in tears, to that moment when we realized that we had been broken the heart for the first time. 

The World I Know, one of the best songs I’ve heard this summer, should be broadcast on each Rock station with a continuous rotation with the insidious objective of invading the world and colonizing the vulgar, dethroning every vestige of the prevailing mediocrity.

Sweet Living Sickness / The Journey closes this magnificent work, to which we must add an intro and an interlude, in a superlative way, in a tradition coined under its own name, combining the epic and the versatility of the trade, without skimping the detail or haggling its value.

Hopefully they maintain their ambiguity for a long time, leap forward, jump back, whoever hears them will know their condition and that can not be judged, they only have to feel comfortable.

78%

Jesús ALijo Lux

THE FACEPLANTS “Animalistic” 2018 Review.

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¿Recuerdan la película “In &Out” dirigida por Frank Oz e inspirada en el discurso que Tom Hanks, tras recibir la estatuilla dorada por Philadelphia, profirió ante la atónita mirada de los presentes recordando a dos, cito textualmente, dos buenas personas americanas gays?

Kevin Kline dio vida al profesor de secundaria al que, en una de las escenas más celebradas de dicho film, y llevado al límite de sus nervios, entre histriónicos tonos de voz y aspavientos, salta hacia adelante haciendo las veces de salir del armario y hacia atrás volviendo a él, repitiéndolo de forma hilarante para el desternille del público con la consigna: “dentro-fuera”.

Momento cinematográfico, dejando aparte las connotaciones sexuales, para ilustrar la sensación que me ha producido el debut de la banda de Vancouver THE FACEPLANTS. Y es que he tenido la motivación realmente grata de encontrarme con una banda a la antigua usanza que, en un impulso hacia adelante posa sus inquietudes en el ROCK para, en un lapsus temporal meditado, volver hacia atrás al POP de elegancia suprema, reiterando su baile para tonificar su figura, sin pudores innecesarios a la hora de calzarse trasnochadas mallas coloristas así como realizar un dobladillo en un vaquero o colgarse una chupa reluciente de cuero. Como en aquella época de etiquetas limitadas que fueron los años ochenta, en la que los grandes grupos grabados en nuestra retina emocional bebían indistintamente de ambas fuentes con un claro sabor de atemporalidad.

De MAROON 5 a QUEEN, pasando por, SHINEDOWN, POLICE, MUSE, SURVIVOR, STEVIE WONDER, ELTHON JOHN, ALIENT ANT FARM, efectos secundarios de la escena mundial Hard Rock de rédito millonario y un aroma a clásico reciclado que, lejos de empalagar, acelera la ascensión de endorfinas a través de bofetones musicales en desuso, aquellos aparentemente oxidados por el abuso de multitud de bandas nacidas para morir al salir de las listas.

De núcleo compositivo férreo, con competencias instrumentales desafiantes, encuentran en la potencia vocal de Dan Botch un complemento idóneo, de perspectiva ganadora, y al que no le tiembla el pulso al inflar, a pelo, la pomposidad necesaria para colocarse en una liga de inertes estrellas que solo brillan, en este momento, a través del eco distorsionado de sus propios éxitos.

Animal rompe y reconstruye tradición con claros visos de reinvención. Unholy restablece la conexión perdida entre himnos y comercialidad popular actual.
Who Am I Inside es un puente predispuesto a la mecha AOR que amenaza en sus estrofas y a la gasolina de emociones juveniles que gotea filtrándose en sus estribillos. Imposible no arder sin acabar quemado.

Devil in a White Dress comprende al Glam, adopta al Funk, apadrina al Rock y perdona los excesos de un trío capturado en la escena por la generación móvil.
Portrait Of A Woman hubiera rellenado minutos en cualquier cinta de los ochenta destinada tanto a enamorar a aquella compañera de clase que nos ignoraba, como para amar y odiar, en silencio y entre lágrimas, a aquel momento en que nos dimos cuenta que nos habían roto el corazón por primera vez.

The World I Know, uno de los mejores temas que he escuchado este verano, debiera ser radiado en cada emisora Rock con una rotación continua con el objetivo insidioso de invadir el mundo y colonizar al vulgo, destronando cada vestigio de la mediocridad imperante.

Sweet Living Sickness/The Journey cierra este magnífico trabajo, al que debemos sumarle una intro y un interludio, de forma superlativa, en una tradición acuñada bajo su propio nombre, aunando la épica y la versatilidad del comercio, sin escatimar el detalle ni regatear su valor.

Ojalá mantengan su ambigüedad durante mucho tiempo, salto adelante, salto atrás, quien les escuche sabrá de su condición y eso no se puede juzgar, ellos solo han de sentirse cómodos.

78%

Jesús Alijo Lux

3.2 “The Rules Have Changed” 2018 (Frontiers Music) Review.

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Treinta años han pasado desde que Robert Berry (ALLIANCE) juntara fuerzas con Keith Emerson y Carl Palmer, ambos de los genuinos, respetados y admirados EMERSON LAKE & PALMER para invocar a la numeración de la trinidad, el 3 como nombre de su nueva banda.

Sonrojaron, a unos ya condecorados ASIA, con un trabajo de fusión AOR y Rock Progresivo que embadurnaba la inocencia comercial de sus compatriotas a base de tangibles capas de seriedad y sofisticación, sin perder de vista el enfoque primario de unas composiciones realizadas para el agrado popular.

Treinta años en los que el tiempo ha hecho, como no, de las suyas, descolgando a un Palmer no excesivamente convencido del proyecto y, lo que es peor, separándonos de la carcasa de hueso, carne y hálito del excelso teclista Keith Emerson, quien sumido en una acuciante crisis expropiadora de la justa autovalidación de su capacidad creativa y compositiva, decidió poner fin a su existencia suicidándose.

Podríamos hablar de un disco póstumo de Emerson con toda su genialidad en impresión y reflejo de ampliación de Berry ante el infortunio (tenían avanzado mucho material) pero, bautizado nuevamente como 3, he de valorarlo como sucesor a “…To The Power Of Three”, lo que flaco favor le hace.

The Rules Have Changed concluye que el espesor melódico de antaño ahora se relega a trazos discontinuos, hermanos de leche de aquellas mágicas primeras ocho composiciones, hallando el devaneo Progresivo mayor radicalidad. Fluctúan composiciones que disienten de una continuidad espontánea, cediendo a enrevesados encajes de puzles armónicos fundidos en disonancias calculadas y, en intrigante evidencia, a la repetitiva ecuación que intercala y multiplica pasajes instrumentales basados en el protagonismo exacerbado de un sinfonismo que, en su mismo refuerzo, resulta innecesario.

Porciones, puntuales o cíclicas, de oberturas de pianos clásicos, progresión FOCUS-TULL, rimbombancia Jazz, omnipresencia y virtuosismo Emerson, sensibilidad y templanza New Age, versos QUEEN más complejos y acomplejados, instrumentación DREAM THEATRE versada en el dorado del Prog, juglarismo MAGNUM frente a los espacios en los que Berry, en su cruce vocal Marcie/Mark Free y Lou Gramm, encuentra intimidad para arrojar algo de inofensiva luz de neón con corriente alterna de los lejanos ochenta. El nivel instrumental, vocal e interpretativo queda asegurado.

Los temas, por separado, avanzan progresivamente y progresan adecuadamente pero, subyugados al conjunto y al orden, pasan a ser pasto difícilmente diferenciable.
Son los momentos más versátiles dentro de la distancia a esta disciplina marcial los que mejor soportan la criba atencional, como por ejemplo:

This Letter que da un merecido respiro con su hermosa acústica y la sentida voz de Berry, encajando los sucesivos adornos instrumentales sin extrañeza, otorgando dimensión y recreación. Aquí es imposible no alabar las transiciones perfectamente amansadas, la historia que nos hace embarcar a un momento idílico y la sensación de virtuosismo sin lastrar el propio sentido de comunicar.

La franqueza de la única instrumental completa, al finalizar el disco, Sailors Horn Pipe, en posesión de un carácter marcado por cierta anarquía cromática dentro de su orden cuasi cinematográfico.

O Powerful Man, exquisita en sus líneas vocales y el latido inalterable de su primera huella discográfica. Uno de los tres descartes de ese instante, podría apostar, que anunciaron tendrían su lugar en este disco.

Lástima que desde 1988 hayan pasado treinta años en los que todo se ha movido como si fueran sesenta, por ello, la esperanza del receptor, si convencida y arrinconada en el recuerdo, no pueda evitar susurrar en estas ocasiones: “Así me cuesta mantenerme”.
Encontrará su público, no lo dudo, pero se despedirá de sus fieles amantes de aquellos maravillosos años.

64%

Jesús Alijo Lux

PHOENIX RISING “Ignite” 2018 Review.

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Sin apenas información sobre la banda me siento más libre a la hora de acogerme a mi derecho de abalanzarme sobre estas cuatro canciones que presentan PHOENIX RISING, y valorar sus desvelos. Son de Dallas, establecidos en Texas, y prometen.

Ignite se llama este EP en el que el sonido, inmaculado, deja ver claramente las intenciones del sexteto. Beber de la corriente americana liderada por LINKIN´ PARK y saciar su asimilación de forma sorprendente. Y es que no pocos son los elementos que les emparentan directamente con el multimillonario último gran producto de la industria crossover, manteniendo ese halo de distinción intuitiva para con el público más joven y ausencia de encorsetamiento en sus roles.

Rapeados rítmicos enfrentados a melosas voces, asaltados también por fraseos más viscerales, construyendo un foso vocal agitado y efectivo. Programaciones que distan de la obviedad, alcanzando cotos de caza sensorial para la élite perceptiva, uno de los grandes aciertos de este disco. Guitarras poco abrasivas que se acoplan perfectamente al sentido más popero de un Rock actual sin animalizar, y una base contundente que, unida a la impoluta producción, está destinada a reventar los subwoofers del equipo más pintado.

Lo importante, las canciones:
Do You Know abre estos escuetos y disfrutables minutos con intensidades de música electrónica y Rap de pronunciación combativa más que lírica, para posarse sobre un delicado estribillo de adornos maquinales y distorsiones caritativas. Un medio tiempo futurista mimado por la interpretación liberada.

Open You Up inicia de forma orquestal y ruptura maquinal, un tema de mayor linaje guitarrero dispersado por entre sus oníricos estribillos melódicos y estrofas nuevamente vomitadas con ferocidad silábica. Volviendo al tema de las orquestaciones, encuentro en ellas un especial cariño a bandas como los actuales WITHING TEMPTATION, lo que les imprime mayor carácter y seriedad frente a la avalancha de grupos que empiezan a jugar con su cableado y sus Macs.

If I Say prosigue con esa sensación que les arrima a los de los Países Bajos y sus más recientes devenires, ambientando recreativamente un single de calado seguro y mayor color en su estribillo. La belleza de la melodía coral y de su nítido timbre, nuevamente lidia con la bestia que hosca, contesta sin cortapisas. Es su seña y su pedigrí, un estilo tan cercano al denostado Nu – Metal como al Gótico menos oscuro y más pomposo, todo aliñado con empecinamiento juvenil.

Finalmente, Lights Out, con mayor potencia POWERMAN 5000, regusto MR MANSON y nasalidad FAITH NO MORE, sin salirse de su tiesto manifiesto, bota algo más predecible y monótona, rompiendo a su vez, la monotonía de las líneas generales.

Agradable encuentro con un estilo al que me cuesta prestarle la atención que en su momento le brindé, pero al que apenas cuesta trabajo dedicarle unas buenas escuchas cuando se ofrenda calidad. Futuro y razonamiento poseen, veremos lo que pasa ante una mayor exposición de temas. Les seguiremos la pista.

Discover Them.

Jesús Alijo Lux

TED POLEY “Modern Art” 2018 Review.

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Haber co-liderado, junto a una serie de artistas imposibles de ignorar en el catálogo de recuerdos imperecederos, una escena tan elitista, siempre valorando la calidad frente a la cantidad, como la del Hard Rock melódico y el AOR más guitarrero, evidentemente te otorga tantas ventajas como inconvenientes si más de veinticinco años después te mantienes como un referente icónico para una comunidad que analiza con lupa cada uno de tus desmarques y a la que le cuesta evolucionar, anclando las comparaciones en lejanas épocas de esplendor.

Acaparar, en distintas formaciones, el protagonismo, tanto por tus dotes como por tu mera presencia y herencia, abarcando la languidez del tiempo, desafiando a modas imperantes, demuestra la pasión por un estilo/forma de vida que haría palidecer a muchos de los naipes caídos de aquellos infranqueables castillos de actitud, circunscritos a un espacio temporal concreto, y que tras el paso del huracán `vida´, mostraron su verdadero rostro: la moda del momento.

Volver, tras el revuelo de tu partida, polémicas incluidas, al seno de la banda que te catapultó al éxito, tras eternos e incontables años para los acérrimos, y facturar uno de los mejores trabajos de tu discografía, ya dada por muerta, ejemplifica la tenacidad de aquel que cree en sí mismo, motor de inevitable valor añadido.

Hacer prevalecer tu nombre propio, aun habiendo esquivado la monotonía de permanecer en las bandas que te ayudaron a escalar a lo más alto del podio, rubricando un remarcable empeño personal siempre ansiado por tus seguidores, denota que tu labor tiene un duende especial.

Y a grandes rasgos esta podría ser una escueta referencia argumentativa de la carrera de TED POLEY. Batería y vocales de unos PROPHET de culto, voz principal de los necesarios DANGER DANGER en su máximo apogeo, escaparate de esencias y especias de diferentes aciertos en MELODICA, PLEASURE DOME y BONE MACHINE, socio de atracción mayoritaria de GERHARD PICHLER y VIC RIVERA, ilusionista “devuelve ilusiones” junto a STEVE BROWN en TOKYO MOTOR FIST e invitado ilustre de bandas/artistas como XENON, SECRET SMILE, JK NORTHRUP, TAKAYOSHI OHMURA, CRUSH 40, LIBERTY `N´ JUSTICE o WOLFPAKK.

En el año presente con el que compartimos baile, Ted Poley une fuerzas con una de las formaciones del momento para sacar adelante sus nuevas composiciones. DEGREED poseen el conocimiento de las bases y la sangre, joven y fría, para no temer al presente y al futuro. De ahí que el señor Poley haya encontrado en ellos el plano idóneo para dirigir su arte a parajes más actuales, sin perder autenticidad ni seña, calzando las sandalias de un mesías que estará por ver si congrega en unidad a los seguidores de la melodía en una nueva comunión redentora, eludiendo un peregrinaje circular, una adaptación para los fieles en lo venidero.

La apuesta personal del vocalista y compositor, en una concreta portada pictórica, aborda perfectamente el contenido de la obra. Una conjugación y sobrexposición de colores que dimensionan su rostro, naïf, ejercitando, como veremos en las canciones, la amplia paleta de texturas que proporciona el colectivo de inquietudes en definición particular

Con un sonido que hierve entre las pautas insignes del Rock melódico y la articulación de una mayor rabiosa actualidad, se cocina un guiso distinguido que no merma sabores en su maremágnum de ingredientes, mejor aún, potencia la base de su propósito.
De teclados y coqueteos electrónicos altamente cualificados, con guitarras sutiles, se pocha New World, un medio tiempo enriquecido con la frescura.

Subimos el fuego para, con estos mismos elementos, acelerar la cocción en Bury Me, un tema que sin tapujos podía haber encajado en aquel ya lejano Revolve de DANGER DANGER. El musculado brazo de la sección rítmica es esencial para dotar de un aroma actual a un estribillo supremo, plagado de coros ineludibles. La labor guitarrera de Daniel Johansson aparte de imaginativa es, innegablemente, virtuosa, como muestra el solo que sazona este bocado sabroso. Runnin For The Light posee la misma virtud pero en expansión. Colocando con esmero los elementos definidos en Bury Me, con mayor protagonismo si cabe de la encomiable conjugación de los Ericsson (Robin voz – bajo y la batería de Mats) e inflando tanto las melodías de teclado ABBA/HEAT, los riffs contundentes, los coros siderales y un nuevo estribillo de calado seguro.

Out of Control se manosea con el Pop sin preocupaciones, un tema que me recuerda, gratamente al Just Like a Pill de PINK, que ya cubriera Kelly Hansen con aquel proyecto denominado PERFECT WORLD. Si el estribillo reluce en el tono Poley, la profundidad para hacerte perder la consciencia de realidad y perder la mirada en el infinito recae en la espalda de los hipnóticos teclados de Micke Jansson. 

Del manoseo pasamos, con mucha clase, a meter mano directamente, del Reggae y su sensualidad al AOR ecléctico en What Kind of Love con un resultado tan estimulante como placentero.

Con la bella introducción instrumental que embarga nuevamente mi atención, relegándola a un espacio de infantil seguridad, comienza a caminar, tras un dulce gatear, Gypsy At Heart, que sin darte cuenta te mira de tú a tú, ya como un adulto, antes de que finalice la estrofa, sabiamente elegida como single. Repleta de matices sonoros que lejos de agobiar, redistribuyen el sentido de orfebrería para que agasajen con unos coros victoriosos, un estribillo natural y necesario en nuestra comprensión de género, en nuestro affaire ininterrumpido con Ted.

Time, otro tema de Modern Pop en concepción de sus progenitores maquinales, no vacila en hurgar en la intimidad AOR y pasar por una crisis Hard Rock metalizada en el desarrollo de su solo. Sensacional.

Con un estribillo tan desbocado como glaseado, encontramos en los contrastes, Devil To My Angel, valga la redundancia, un nuevo contraste que impulsa una lección de AOR en estrofa al Hard melódico futuro que DEGREED postulan, hasta el reconocimiento que algún día se les habrá de otorgar. Con ese deje juvenil en su entonación que tantos buenos momentos nos ha entregado Ted Poley en fraseos revitalizantes, embruja un tema de discoteca de los GOO GOO DOLLS post rockeros y sudor DANGER DANGER, creando un himno de verano, subida de tono Desmod Child incluida, para convertirlo en “guilty pleasure” del rockero más pintado.

Find Another Man sabe a sol y playa, a vacaciones, a no pensar en el otoño.
Para finalizar el efectivo I Know a Liar entre colchones vocales tejidos con sumo gusto para un medio tiempo sin escatimar en recursos de programaciones y Wilderness con el peso de un bajo incisivo y metálico y guitarras más afiladas, más DEGREED (compartiendo labores vocales es lógico), redondeando un trabajo ambicioso y exquisito.

Una obra de arte, haciendo justicia a su título, para disfrutar sin prejuicios, ni valores comparativos caducos, un paso adelante para la tenacidad de un recorrido que evita su extinción, pasando por el camuflaje de los tiempos actuales sin perder un ápice de identidad.

Producción inmejorable, ejecución sobresaliente (Poley y DEGREED en estado de gracia), originalidad pronunciada y respeto incalculable hacia lo que ya aconteció y que debe ser renovado.

82%

Jesús Alijo Lux

CLIFF MAGNESS “Lucky Dog” 2018 (Frontiers Music) Review.

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Crónicas, Frontiers music, Jesús Alijo Lux, Review

Clif Magness, productor, compositor y multi – instrumentista nos obsequió en 1995 con un trabajo inesperado para la corriente melódica, aquel maravilloso Solo, que endulzaba los paladares distorsionados por los fuertes maridajes musicales que a mediados de esa década irrumpieron victoriosos, fagocitando casi en su totalidad el AOR y el Hard Rock más comercial que hacía las veces de delirio para un sector de consumidores de amplitud en decadencia. Una obra guardada como oro en paño en la memoria colectiva de los nostálgicos de aquellos maravillosos años ochenta y que comprendía una colección de canciones que se fundían entre sí con el Lite AOR de autor, la música propiamente orientada a adultos, el Westcoast, el Pop ingenuo de los años noventa y la despreocupación por el peso de la gravedad. Así, pasó a ser una obra maestra, así se quedó eternamente con nosotros.

Cliff Magness consolidó su faceta como compositor facturando innumerables singles de éxito para ilustres artistas, más del Pop que del Rock, como por ejemplo las ídolos adolescentes AVRIL LAVIGNE o KELLY KLARCKSON, QUINCY JONES, JULIO IGLESIAS, así como, más cercanos a nuestro interés, STEVE PERRY, JACK WAGNER, ROBIN BECK, JAMES CHRISTIAN o JOE BONAMASSA.

Era difícil pensar que ante los réditos obtenidos, comerciales y de nominales galardones, este americano volviera a tener en cuenta a la legión de fans que congregó en su pasado, aquellos que más que demandar material nuevo, rezaban por él. Pues sí, era difícil pero por fin ha llegado la contestación a la plegaria.

Pensar que el tiempo, en veintitrés largos años, no haya curtido la piel o hecho callo en el corazón de cualquiera de los presentes, es, o ser demasiado optimista, o no haberse desviado del sendero de baldosas amarillas camino a Oz. En la actualidad, un gran número de artistas o grupos, han amoldado sus carreras a los momentos vigentes, endureciendo su esencia, en mayor o menor medida, acorde al presente nada fácil con el que tenemos que lidiar constantemente.

Y cierto es que, con el devenir del minutero y con la experiencia adquirida, con el aprendizaje y la adecuación del negocio musical, el señor Magness ha perdido parte de su inocencia, realizando un trabajo actual, sin dejar de mirar atrás, pero con mayor presencia de guitarras en vez de con teclados y programaciones de desenfado adolescente.

Tan cierto como que aquel que espere un Solo a día de hoy, necesitará despojarse parcialmente de la sombra del pasado, y acoger este LUCKY DOG con otros brazos, con esos que la perspectiva de sumar lustros entrega.

Ain´t No Way abre con potencia Hard moderna de resultados agradables y Don´t Look le sigue, algo más rebajada pero manteniendo el peso de las guitarras, en un corte que hará las delicias de los seguidores del tristemente fallecido BRETT WALKER.
Unbroken decelera brusca pero evocadoramente, en una balada hecha a medida para ganar la atención de los que pudieran renegar de su evolución. De CHICAGO a dejes SUPERTRAMP, sin perder compromiso, emociona.

Like You, recupera el protagonismo de las guitarras, dando una zancada hacia delante sin dejar de coger impulso con tres pasos atrás. Rock melódico de estribillo suave en detalles armónicos Beatles en las voces.

Love Needs A Heart, en compensación a la contribución de Magness en el último disco de ROBIN BECK, nos presenta a la querida vocalista, con un dueto, en un medio tiempo sencillo y atractivo que, poco a poco, va secuestrando nuestro deleite.

Nobody But you, con su acústica y orquestación de cuerda inicial, acuna la voz de Cliff, en un tema de intimidad autoral que va creando cada vez mayor contrastes de atmósferas (precioso recurso de gaitas y teclados) entre estribillos y desarrollos.
Maybe, de nuevo en el romanticismo, reconforta con sus arreglos meditados y su estribillo ganador, otra balada de ensueño. Magness canta todo el disco como si le fuera el alma en ello, vamos, como debe ser cuando mimas cada detalle de tu creación, dejando patente un gran estado vocal e interpretativo. En el plano instrumental solo puedo quitarme el sombrero, dosificando, sin alardes innecesarios, los recursos necesarios para que cada tema respire y camine con autosuficiencia y con la cabeza bien alta.

Shout me devuelve a la joya de la corona de aquel lejano Solo, estableciendo paralelismos para mis sentidos, entre If We Can´t Do It y este cañonazo de AOR rebosante de coros irresistibles, guitarras desafiantes y actitud Hard. Perfecto.
Rain, otro corte intimista de menor fortuna, con armonía LENNON, resalta las dotes vocales del artista pero resulta insípido hasta que su explosión instrumental llama nuestra atención en el ecuador del tema.

All Over My Mind, con color DEF LEPPARD (maravillosos coros y guitarras) Slang y estribillo marca de la casa, muy moderno y refrescante, se manifiesta ideal para dedicarle unas cuantas escuchas seguidas y apreciar cada ornamento, que son muchos, y rendirse al talento demostrado.

My Heart cierra el disco de forma superlativa. Un tema nuevamente de intimidad necesaria en un cruce PAUL CARRACK, DARYL BRAITHWAITE (un gran olvidado) y la sutileza de la composición de los supervivientes melódicos de los años noventa.
Como bonus para la edición japonesa, Nobody But You en acústico, que como regalo, aunque no aporta nada nuevo, se agradece.

Una producción a la altura de las circunstancias y del artífice, equilibrada y realista, meditada y encauzada, moderna y merecida. La espera ha valido la pena y nos devuelve a un gran profesional que sabe separar sus negocios de su pasión. No lo dejes pasar.

76%

 

Jesús Alijo Lux