ZHENX “St” 2017 (Aor Boulevard Records) Review. English.

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Aor, Críticas, Hard Rock, Viri

When day after day you receive so much music to review, there are times that the brain collapses. But it is also true that if you love this roll so much, it is an immense pleasure to receive a record that both personally and musically, is so significant, then becomes passion.

Gorka Alegre, for me it is no longer that musician, bassist of Ñu or Baron Rojo, is a friend, we have chatted a lot and I know that he has worked a very worthy solo.
Accompanied by numerous artists from the national and international rock scene as: Kelly Pascual to drums, Rafa Barreda and Tolo Grimalt (Metalium / Fyre) to guitars and Giovanni Tradardi (Rising / Tete Novoa) to keyboards. Completing this training to the voices will be David A. Saylor, the former vocalist of the British band Push. Another friend who broke my heart with his death, because when the sky turns into music, Saylor leads the singing voice.

Nine tracks that have been produced by Carlos Creator, and what you already have for sale on Aor Blv Records. Also colaborate, David Reece (Accept-Bonfire), Torben Enevoldsen (Fate), Bill Leverty (guitar) and Herman Rarebell (drums).

What are we going to find on this album?

A vocal textures we were not used to hearing in our Mr. “Feeling man” Saylor. Hard melodic rock, that Gorka knew how to squeeze David to get the result that I explain below.
“Action” gives the start signal, and draws attention that the songs are quite long in minutes, with a very D2 and his “Let’s get naughty naughty” debut, the bass drills the eardrums, giving input To the keyboards along with thundering guitars. All in communion, with David singing with strength and rage. A theme full of hard of the good, the very present bass and protagonist, plays an important role. Awesome! “Break away” Yeahhh !!! It has a beginning to the AC / DC with those guitars and a structure purely of rock & roll, that varies in the chorus, that turns into a melodic party where we are all invited. From the guitar solo, the sonority becomes your lover.

There comes one of my favorites, it’s called “Evergrey” and just hearing the keyboards at the beginning we can already imagine where the shots go. It is that feeling in the pit of the stomach and you know that something exlposive is about to arrive. That’s the feeling that gives you this cut. Yes, it is my favorite because it is so melodic and intense at the same time that leaves me full of life. Feelings return to their pure state and the world is nothing but music come true.

Now it’s the turn for two bosses in “Dog destiny”. The well-known David Reece (Accept, Bonfire) to voice and Torben Enevoldsen (Fate) to the mast. We can say that it is the most American, or so it seems to me, I like the vocal fight between both of two, and Torben touches it with much Groove. What good roll gives you the theme, that back to the 90s brings me. Impossible not to dance, When my voice walks with death, my heart will follow you talking, dream that Saylor told me.

“Distant memories” involved two heavyweights, Bill Leverty to the ropes and Herman Rarebell to the patches. Starting with a very epic mini solo guitar, it already makes us presage that it smells like storm. The coolness of a cold winter morning can be felt in the air, which only the tempered voice of David can appease, a ballad so intense and with a progressive wink, the very spatial keyboards that are not special 😉 In fact it is the longest theme with 7 minutes. To hear this is the heart of life. For it speaks the love; Without it there is no good possible and with it everything is beautiful. “Jumping off the skyline” returns us to “ruockk”, but always made with Indian silk. I am so delighted with the surprises that I have found here, that I am even excited. Leave prejudices on whether it’s national and those rolls, Zhenx is the best you’ll hear this year, no doubt.

The other day on Facebook our partner Alicia Albertos said that she came into a loop with this “Injection”. And I understand why, it gathers all the musical condiments separately and that uniting them, bualá! A very prog theme, full of instrumental nuances, powerful guitars, much Hammond and Saylor unrecognizable. What the world has lost. “On my way” another fucking ball, even to the night train of Guns’ n Roses if you allow me, I always speak of winks, do not look for any complete similarity that I know you. Then the subject takes another course, As I put the guitars to Slash and Saylor’s voice here. He has taken all the sugar I had inside. The closure puts a “Turn down the light” cortita much more rested and that is perfect to finish. Another of the most mellow and that so much molan me, hence the short.

I can only say one thing: Support these projects. Gorka Alegre, thank you very much for taking this work forward. I thank you a million times, because you know the affection that had David and from now on, you too.

https://www.facebook.com/zhenxhardrock/

https://www.facebook.com/AorBlvdRecords-257668050915497/

90%

 

 

ZHENX “St” 2017 (Aor Boulevard Records) Review.

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Aor, Críticas, Hard Rock, Viri

Cuando día tras día recibes tanta música para reseñar, hay momentos que se colapsa el cerebro. Pero también es cierto que si amas este rollo tanto, es un inmenso placer recibir un disco que tanto personal como musicalmente, es tan significativo, se convierte entonces en pasión.

Gorka Alegre, para mí ya no es ese musicazo, bajista de Ñu o Barón Rojo, es un amigo, hemos charlado muchísimo y sé que se ha currado un trabajo él solo muy digno.

Acompañado por numerosos artistas tanto del panorama roquero nacional como internacional como son: Kelly Pascual a la batería, Rafa Barreda y Tolo Grimalt (Metalium/Fyre) a las guitarras y Giovanni Tradardi (Rising/Tete Novoa) a los teclados. Completando esta formación a las voces estará David A. Saylor, el que fuera vocalista de la banda británica Push. Otro amigo que me partió el corazón con su muerte, porque cuando el cielo se convierta en música, Saylor lleva la voz cantante.

Nueve temas que han sido  producidos por Carlos Creator, y qué ya tienes a la venta en Aor Blv Records. Cuenta con invitados de la talla de : David Reece (Accept-Bonfire), Torben Enevoldsen (Fate),  Bill Leverty (guitar) y Herman Rarebell (drums).

¿Qué vamos a encontrar en éste disco?

Una texitura vocal que no estabamos acostumbrados a oír en nuestro Mr. “Feeling man” Saylor. Hard rock melódico, que Gorka supo exprimir a David para obtener el resultado que os explico a continuación. 

“Action” da el pistoletazo de salida, y llama la atención que los temas son bastantes largos en minutaje, Con una entrada muy D2 y su “Let´s get Naughty naughty” de su debut, el bajo te perfora los tímpanos, dando entrada a los teclados junto con unas guitarras atronadoras. Todo en comunión, con David cantando con fuerza y rabia. Un tema lleno de hard del bueno, el bajo muy presente y protagonista, juega un papel importante. Temazo! “Break away” Yeahhh!!! Tiene un inicio a lo AC/DC con esos guitarrazos y una estructura puramente rockanrolera, que varía en el chorus, que se convierte en una fiesta melódica donde estamos todos invitados. A partir del solo de guitarra, la sonoridad se convierte en tu amante.

Llega una de mis favoritas, se llama “Evergrey” y sólo oír los teclados del principio ya podemos imaginar por donde van los tiros. Es ese sentimiento en la boca del estómago y que sabes que algo exlposivo está por llegar. Esa es la sensación que te da este corte. Sí, es de mis favoritas porque es tan melódica e intensa a la vez que me deja lleno de vida. Los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad.

 Ahora es el turno para otros dos capos en “Dog destiny”. El de sobra conocido David Reece( Accept, Bonfire) a la voz y Torben Enevoldsen (Fate) al mástil. Podemos decir que es la más americana, o eso me lo parece a mí, me gusta el duelo vocal entre los dos, y Torben la toca con mucho Groove. Qué buen rollito te da el tema, que vuelta a los años 90 me trae. Imposible no bailarla, Cuando mi voz calle con la muerte, mi corazón te seguirá hablando, soñe que me decía Saylor.

“Distant memories” participan dos pesos pesados, Bill Leverty a las cuerdas y Herman Rarebell a los parches. Empezando con un mini solo muy épico de guitarra, ya nos hace presagiar que huele a tormenta. Se palpa en el aire el frescor de una fría mañana de invierno, que sólo la templada voz de David podrá apaciguar, una balada tan intensa y con un guiño progresivo, los teclados muy espaciales que no especiales 😉 De hecho es el tema más largo con 7 minutazos. Oír esto es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. “Jumping off the skyline” nos devuelve al “ruockk”, pero siempre hecho con seda de la India. Estoy tan encantado con las sorpresas que me he encontrado aquí, que estoy hasta excitado. Dejad prejuicios de si es nacional y esos rollos, Zhenx es de lo mejor que oirás este año, sin duda. 

El otro día en Facebook nuestra compañera Alicia Albertos decía que entró en bucle con este “Injection”. Y comprendo por qué, reúne todos los condimentos musicales por separado y que uniéndolos, bualá! Un tema muy prog, lleno de matices instrumentales, guitarras poderosas, mucho hammond y Saylor irreconocible. Lo que se ha perdido el mundo. “On my way” otro puto pelotazo, incluso a lo night train de Guns ´n Roses si me me lo permitís, siempre hablo de guiños, no busquéis ninguna similitud completa que os conozco. Luego el tema coge otro derrotero, Como me pone las guitarras a lo Slash y la voz de Saylor aquí. Me ha sacado todo el azúcar que llevaba dentro. El cierre lo pone una cortita “Turn down the light” mucho más reposada y que es perfecta para terminar. Otra de las más melosas y que tanto me molan, de ahí lo de corta. 

Sólo puedo decir una cosa: Apoyad estos proyectos. Gorka Alegre, muchas gracias por sacar adelante este trabajo. Yo te lo agradezco un millón de veces, porque sabes el afecto que tenía a David y a partir de ya, a tí también. 

Compradlo aquí:

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Stan Bush “Change The World” 2017 (L.A. Records) Review.

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Aor, Críticas, Whizard

Lo reconozco… soy un friki. Mis gustos en general pertenecen al Reino de la gente rara… especial… distinta tal vez. Me gustan las películas de acción, de Marvel y DC Comics, Ciencia Ficción en general, Juego de Tronos, todo lo que tenga que ver con el Señor de los Anillos y lecturas de la Dragonlance, y actualmente estoy leyendo la bella novela Elantris relacionada con los Reinos Olvidados. Quizás por eso me gusta el Rock en casi todas sus vertientes. Hoy en día que te guste algo tan raro como el AOR hace que me pregunte si de pequeño me di algún golpe en la cabeza que deterioró para siempre mis gustos musicales… Y es que hoy en día si no pones en algún momento el tema Despacito, o el Súbeme la radio entonces el raro eres tú. Vas al chiringuito de la playa y suena eso, o algo muy parecido. O en la Radio Fórmula de turno. O alguien que pasa en coche al lado tuyo… empiezo a pensar que el raro soy yo… un friki… 

Y es que ver de adolescente con mi ya fallecido padre, películas de acción estilo Top Gun, Iron Eagle, algunas de Van Damme como Kickboxer, me encantaba. Y me llamaba mucho la atención la música que adornaba muchos pasajes de esas películas de bajo presupuesto. Una gozada friki… recuerdo el tema de Nightranger llamado Secret of my success de una película del mismo nombre de Michael  J. Fox… en fin la lista es tan extensa que me llevaría demasiado tiempo recordarla.  

Y estoy seguro que Stan Bush es un tipo al que como yo, le gusta el cine de acción, ese que aguanta muy mal el paso de los años. Este sensacional artista con discos pretéritos de talento descomunal, ha decidido regrabar temas de algunas películas y videojuegos en los que participó, remezclando y adaptándose a los nuevos tiempos. El resultado es sencillamente mágico, perturbador, me llevan directamente a mi casi olvidada adolescencia con algunos de sus temas que aún recuerdo con el cariño inolvidable de esas cintas VHS que alquilaba en el videoclub para verlas con mi padre… ufff que difícil se me está haciendo escribir esto… lo siento, no quiero parecer demasiado sensible, pero estas cosas pasan al recordar a un padre al que tienes en un pedestal. 

Este es un disco en resumen, lleno de positivismo, buen rollo, y homenaje a temas suyos que fueron elegidos para aparecer en algunas películas que forman parte de la historia del cine más comercial. 

Este disco grabado en California con un sonido más que decente, destila AOR por los cuatro costados, y todo ello debido en gran parte al genio de la guitarra, teclados, bajo y además produciendo y mezclando todo, llamado Holger Fath con Tom Walsh a la batería. Y poca gente se necesita más… siempre que tengas a algo parecido a Messi en las voces. Y es que Stan Bush no ha padecido el deterioro del paso de los años en sus facultades vocales, sigue estando a un nivel cercano a la perfección. No es el que más grita, ni el que mejor vocaliza, pero está dotado de un tono vocal perfecto, sabes que es él cuando lo oyes cantar. Y como compositor ahí está su carrera además de colaborar con Jonathan Cain de Journey, compositores de Bryan Adams o Aerosmith entre otros muchos. Es un artista con un premio Emmy en el año 1997, además de usar el tema Capture the dream en la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles del año 96… con este son ya 13 discos los que ha publicado… y no puedo evitar recordar el fantástico Stan Bush and Barrage llamado Heaven con el que me fui a mi casa ansioso nada más comprarlo para ponerlo en el Hi Fi nada más llegara. 

Y ciertamente, cuando un artista te gusta, tiendes a exagerar un poco las virtudes y esconder los defectos… pero tengo que decir que este disco roza la perfección del AOR americano puro. El tema que da título al álbum Change the world es una inyección de optimismo, trae el mensaje que necesitas para levantarte por la mañana y salir a comerte el mundo. La solida guitarra de Holger le dota al tema de una fuerza descomunal, además del refuerzo de los teclados a cargo de… Holger, que también gobierna el Bajo con solidez extrema. Y luego está esa voz portentosa… temazo. Y entonces aparece al final de la calle el tema Warrior tema central del videojuego Shadow Warrior de mi amada PlayStation que es un cañonazo de calibre grueso. Es tan bueno que he tenido que ponerla 7 veces más, solo para convencerme que me gustaba tanto como comer pollo asado con los dedos. Tú tampoco podrás oírlo solo una vez, no sé de qué te ríes…  

Born to win creo que esta prescrita a todos aquellos deportistas que necesitan oír los  mensajes positivos que les llevará al éxito después del esfuerzo requerido para llegar a ser alguien. Las guitarras suenan con una belleza devastadora, como en segundo plano pero llevando e peso del partido. Y esa voz…  

Y entonces aparece el tema Never surrender donde aparece la cara de Jean Claude Van Damme y su inolvidable Kickboxer metiendo sus puños en cristales rotos para vengar a su hermano, del luchador asesino…  el malvado Tong Po. Como olvidarlo. Y este tema menos, que era el tema central de la peli. Ha llovido mucho ya, y me parece genial que Stan Bush haya recuperado esta parte de su historia, estos temas que solo aparecían en los discos de esas bandas sonoras, pero jamás en ningún disco suyo… hasta hoy… debo decir que también ha recuperado una parte de mi vida.

The Story of love es tan inmensamente bella, que caerás rendido a sus pies, al comprobar que resulta difícil reunir la necesaria capacidad de talento para componer algo tan perfecto. No encuentro las palabras necesarias para describir esto. Al oírla por primera vez no daba crédito a mis oídos, mi capacidad de asombro estaba completamente desbordada, esa guitarra española sobre el minuto 2 haciendo un solo de belleza asombrosa, la calidez de esa voz, de un tema perfecto imposible de mejorar. Cuando se componen temas como este, nace un trébol de 4 hojas en algún lugar remoto del mundo, crecen alas de mariposa llenando de colorido los valles atacados por los otoños color miel y cielos plomizos. No se explicarlo mejor, quizás deberías buscar en alguno de los poemas de García Lorca o Pablo Neruda para comprender mejor la maestría de este tema.  

Live your dream otro mensaje positivo para llenar de colores un día gris, seguramente por culpa de tu jefe, o el idiota que se ha saltado el Stop. Gran tema con unos coros primorosos, guitarra en segundo plano otra vez para parir otro tema descomunal, otro trabajo a la altura de uno de los mejores compositores del siglo XX. Simplemente soberbio. Como lo es Break the Chains que resulta vocalmente insuperable. La garganta de Stan parece que va a explotar en cualquier momento, guitarras acústicas y un teclado colocado por algún paisajista titulado para dejarnos un cuadro que firmaría el mismísimo Miguel Ángel. Solo decir que los temas que no van en ninguna banda sonora, podrían ser seleccionados sin ningún tipo de rubor, dado las cotas de calidad que muestran en cada nota. The other side of love es la continuación del medio tiempo anteriormente descrito, otra muestra del talento que se destila en las factorías Stan Bush. Imagino que este tipo se levanta de una siesta, coge un lápiz y un papel y compone cinco temas a cada cual mejor. Los arreglos en segundo plano, los pre estribillos resultan brillantes, el solo de guitarra delicado como el roce de una sábana de raso, en fin, temas así te alegran el día.  

El tema Dare pertenece a la peli Transformers que nunca había metido en ninguno de sus discos… hasta hoy. Gracias a este tema y al The Touch, está en el Transformers Hall of Fame desde 2014. Es un tipo con suerte… y talento. Por cierto que el tema The Touch además de estar en la banda sonora de Transformers, aparece en la peli Boogie Nights, en capítulos de American Dad, la serie Chuck, los videojuegos Guitar Hero, o Saints Row IV entre otros. Uno de sus temas más reconocibles. Y es de agradecer que a modo de auto homenaje los haya metido ambos en este disco. Temazo. Y para cerrar el disco, el bueno de Stan decide abrir el tarro de las esencias, convocar a las hadas para que con su casi invisible polvo de hadas le ayuden a componer uno de los temas más bellos que oirás en el año 2017… y quizás en varios venideros. No voy a trataros de describir con más precisión la belleza que rodea este tema porque creo que no sirven las palabras para hacer comprender al lector algo que entra por los oídos directo al cerebro. Tendréis que oírlo para entender esta decisión. 

El resumen de este disco es que estamos ante un compositor, vocalista y músico que reina por encima de la media en este estilo conocido como AOR. Que no tiene ni un solo tema de relleno, algo inaudito en los tiempos que corren. Y como friki de este estilo musical debo decir que me ha conquistado. Como lo ha hecho con casi todos sus discos. Como solo sabe hacerlo alguien tremendamente dotado para rozar la perfección en casi todos sus trabajos… como solo saben hacerlo los genios. Creo que estamos ante otro friki… que recordaremos siempre los que amamos el Rock Melódico. Os lo recomiendo sin fisuras, sin temor a quedar mal… este tío hace imposible hacerme quedar mal… o por un friki…

95%

Whizard

Debbie Ray “Slave To The System” 2017 (Metalapolis Records) Review.

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Críticas, Viriaor

 

En 2005, Reine, Andreas y Manx decidieron crear una banda justo donde antes lo habían dejado. H-Can fue llamado para la batería. Debbie Ray ya era un hecho.
 
Por varios años, grabaron una variedad de canciones y tocaron extensivamente alrededor del país. Pero no fue hasta 2009 que su primer álbum “Artificial Misery” fuera lanzado en la compañía estadounidense “Demon Doll Records”.

Como fue lanzado de forma física sólo en los Estados Unidos era difícil conseguirlo para el resto del mundo, Así que será re-lanzado en todo el mundo el próximo año tanto en formato digital como físico. Esta vez por la compañía sueca “Core Shot Production”.

Alrededor de la misma época en 2010 el  bajista Manx decidió dejar la banda y Martin Söderquist se hizo cargo del trabajo. Los conciertos continuaron por todo el país y en 2012 Debbie Ray lanzó un EP de tres pistas llamado “Rock n Roll Widow”. Y al final del mismo año, diferentes testamentos y situaciones familiares actuales hicieron que la banda tomara la decisión de tomarse un “descanso” por un período indefinido. Y no estaba claro si habría más de la banda …
 
Pero a principios de 2014 el apetito por el rock n roll volvió. La banda rápidamente escribió muchas canciones nuevas. En 2016 se firmó el acuerdo con METALAPOLIS RECORDS y ahora “Slave To The System” verá la luz del día !!! Inspirado por bandas clásicas como Mötley Crüe, Skid Row, Guns n Roses, Backyard Babies y Pantera, está más que claro en qué dirección lleva su sonido, pero con un toque moderno.

¡Modern Hard Rock desde Suecio con estilo !

Line-Up:
Reine Heyer – vocals, guitar
Andreas Heleander – guitar
H-Can – drums

 

80%

 

MARTINA EDOFF “”We Will Align” 2017 (Aor Heaven) Review.

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Aor heaven, Críticas, Viri

El debut de  MARTINA EDOFF fue lanzado en 2014, y casi un año después, el segundo disco llamado “Unity” llevó a ella y a su banda a una exitosa gira norteamericana en septiembre de 2015. Pronto se fue a Argentina y se presentó para 6000 nuevos fans como telonera de Tarja Turunen. Luego pasó a compartir el escenario con The Winery Dogs en su gira europea a principios de 2016. Ahora está de vuelta con el tercer disco “We Will Align” que será lanzado en AOR Heaven el 22 de septiembre de 2017.
 
Junto con su co-productor y co-guionista Jona Tee (H.E.A.T), Martina decidió trabajar con él en el tercer álbum. A finales de 2016, la artista comenzó a escribir sobre algunas nuevas canciones y encontró a más co-escritores que completaron la música de la manera que ella estaba buscando, como Jonas Törnqvist (Deathriders, Bleed The Hunger, TreasureLland), Erik Mårtensson (Eclipse, Nordic Unión, WET), Benny Jansson (paseo el cielo), Billy Sheehan, Jona Tee.
 
“We Will Align” es un álbum melódico de hard rock con una nota bluesy y que vuelve a las raíces de EDOFF. Se ha ayudado en la banda  con: Björn Höglund (batería), Nalle Påhlsson (bajo), Stefan Bergström (guitarra) y Jona Tee (teclado / hammond y productor). La mezcla pasó por las manos del legendario Tobias Lindell.
 
¿Qué encontraremos al pulsar el play?

Pues un buen comienzo con “Turn our pages” que te hará recordar a los Eclipse incluso. Me gusta la base rítmica que lleva y la voz está bien compactada. “Champions” sigue la buena línea anterior pero con grandes riffs de sonido moderno. 

“Alive” aquí, ni la voz ni el tema me dice nada, quiere sonar heavy y oscura y no le encuentro el punto intemedio entre ello. Ni los coros me enganchan. “We will align” es la  segunda parte de la anterior, y juraría que suena igual, mismas teclas, mismo tono de voz, exasperante. Mejor estribilo eso sí, más melódico y con chorus femeninos que mejoran algo el tema. 

Creo que el intento de endurecerse Martina no le va mucho  a su voz. Cuando no lo intenta suena muy bonito su timbre.

La balada “Face the mirror” es la lenta del disco y que juega con coros semi trágicos y voces dobladas, in crescendo, la verdad que va de menos a más y al final te llega a gustar. “Otro tema destacable para bien es, “Truth came knocking” que le da un giro canalla y vacilón de buen bluesy rock con mucha melodía.

Un disco que quizá sea un poco lineal, y que han parido con buena intención y menos resultado. Han querido encauzarse en el camino de los últimos H.E.A.T.  

Agradable esucha pero del que se prescindirá pronto.

60%

 

 

 

Cats In Space “Scarecrow” 2017 (Cats In Space) Review.

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Alicia Albertos, Críticas

-Regreso a los 70´-

Los gatos del espacio aterrizan con una segunda entrega llamada “Scarecrow”. Tras un debut que tuvo buena acogida de público y elogios de la crítica, regresan con un disco continuista, que, al igual que su predecesor, nos transporta varias décadas atrás, más concretamente a los 70.

Esta banda inglesa está formada por músicos experimentados que han pertenecido a algunos supergrupos dentro de la historia del rock como son: The Sweet, Ian Gillan Band o Bad Company. También, como en el caso de su guitarrista, Greg Hart, ha habido destacadas colaboraciones con otros grandes de la música como Asia, Donna Summer o Geoffrey Downes. Para que os hagáis una idea de su currículum, la banda la conforman: Paul Manzi (Arena) a las voces, Greg Hart (Asia, Donna Summer, Moritz, GTS): guitarra, Dean Howard (Ian gillan, Bad Company, Airrace): guitarra, Jeff Brown (The Sweet) al bajo, Steevi Bacon a la batería y Andy Stewart a los teclados.

Esa amplia experiencia nos viene trasformada en un trabajo con gusto por el detalle donde no hay concesiones a la moderación, sobre una base de hard rock: sintetizadores clásicos, multitud de pianos, líneas vocales sobre grabadas, con una adornada producción para un material sofisticado, calculado al milímetro. Nos recuerdan por momentos a la ELO, a Queen o a New England, por citar algunos. La etiqueta podría ser pomp rock con un enfoque melódico hacia el AOR.

Una intro de atmósfera psicodélica nos adentra en el disco, Jupiter Calling, un tema de hard rock clásico con predominancia de los sintetizadores a modo de órganos electrónicos y las voces con efectos y diversidad de coros. Envuelto en una atmósfera teatral tenemos Mad Hatter’s Tea Party con un piano, como base, percutiendo tu cerebro, este tema es el primer single, con el sombrerero loco y la reina de corazones abordando el tema del narcisismo en las redes sociales, donde buscamos la alabanza constante y continuos likes para alimentar nuestros egos. Clown In Your Nightmare, efectos de vocoder para un tema cuasi funky, nos falta Tony Manero y la bola de espejos. Scars un medio tiempo introducido por una hermosa melodía de armónica, que evoluciona con fuerza en unos intensos coros y una actuación vocal magnífica de Paul Manzi.

Remembranzas de la ELO en September Rain. También se puede apreciar el protagonismo de las guitarras, muy evidente, con un solo de casi dos minutos, en Broken Wing. El broche del disco es Scarecrow donde en siete minutos se da muestra de todos los recursos de la banda, fuerza en las guitarras y una base rítmica penetrante, pianos y sintes que no dan tregua y variaciones de ritmo a lo largo del tema. Es un buen resumen de lo que la banda es y sobre todo de lo que pretende mostrar.

Creo que con este segundo disco han quedado asentadas las bases del sonido de los gatos, habrá a quien le guste más el anterior, otros preferirán este segundo, no hay una gran diferencia, en cualquier caso.

Apto para nostálgicos y amantes de pomp rock, si eres aficionado a eso del “vintage rock”, éste es tu disco, no lo dudes.

85%

Alicia Albertos

Lionheart “Second Nature” 2017 (Aor Heaven) Review.

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Aor heaven, Críticas, Rocky

No es ningún secreto que la New Wave Of British Heavy Metal dejó para la posteridad algunas de las mejores páginas que se han escrito en la historia del rock mundial. Muchas de aquellas bandas yacen ya en el túmulo de los olvidados, por la fuerza de un mercado siempre egoísta y cambiante. Uno de los casos más curiosos es el de la banda que nos ocupa hoy, Lionheart. Un combo nacido en los albores de los ochenta con uno de los más espectaculares line up que se han visto jamás: imaginemos una asociación de ex Tygers Of Pan Tang, Iron Maiden, MSG o Def Leppard. Ciertamente, impresionante.

Lionheart en sus primeras y bisoñas grabaciones se mimetizaban con las bandas de su entorno. Pronto dejaron atrás la estudiada rudeza de la NWOBHM para abrazar la religión de un AOR primerizo y explosivamente jubiloso: se estaban escribiendo los primeros renglones del libro maestro del mayúsculo rock melódico británico que tan buenos momentos ha regalado a mis oídos. Siempre me he confesado rendido admirador del AOR nacido en la pérfida Albión, podría nombrar un buen puñado de bandas que despacharon auténticas burradas de temas que se quedaron por siempre clavados en mi adolescente intelecto, sin que hasta el día de hoy haya podido sacarlas aún por la fuerza de su melódico acomodo.

Y entre todos los moradores de mis estanterías tanto tangibles como intangibles, siempre ha tenido un lugar preferente un disco editado en 1984 bajo el nombre genérico de “Hot Tonight“. Un highlight del género, posiblemente el mejor disco de AOR nacido en las islas británicas junto con “Shaft Of Light” de Airrace. Tristemente, y tras dos años de gloria, en 1986 la banda se desmembra, para resurgir en números redondos en 2016, treinta años después, de la mano del festival Rockingham, heredero del legendario Firefest, y regalarnos una actuación maravillosa. Allí, entre el público, sentí que se cerraba un círculo vital: una de las bandas de mi adolescencia tocaba para mí. Sólo para mí y un puñado de afortunados fans que coreamos con saña todos y cada uno de los himnos en completa comunión. Era totalmente lógico que el corazón del León volviera a latir una vez más, fundiendo el hielo del tiempo: sacudo mi cabeza, vuelvo al tiempo presente, y me encuentro cara a cara con los renovados Lionheart: nace “Second Nature”.

Los Lionheart de 2017 entroncan muy directamente con el line up clásico de la banda. A los Steve Mann, Dennis Stratton, Clive Edwards y Rocky Newton se une el maravilloso vocalista Lee Small, uno de los frontmen británicos actuales con mayor proyección. El único pero que soy capaz de oponer a cualquier grabación en que tenga participación Lee Small es que, al final, no conseguirás sacarte de la cabeza al maestro Glenn Hughes, tal es la concomitancia estilística que albergan. Y eso sucede a todo lo largo y ancho de “Second Nature”: a los ecos del hard británico heredero de la NWOBHM, se unen pinceladas del mejor AOR y recuerdos lejanos de las más melódicas obras en solitario de la Voz del Rock.

A un corto preludio le sigue “Give Me The Light”, provista de un sonido clasiquísimo. Las teclas y los coros siguen siendo marca registrada. “Don´t Pay The Ferryman” es una auténtica locura de hard británico, recordándome muchísimo tanto al malogrado genio de Belfast, Gary Moore, como a algunas de las mejores tomas de “From Now On”, para mí la cumbre discográfica de la carrera en solitario de Glenn Hughes. Una parte central, por cierto, muy Maiden.

“Angels With Dirty Faces” con ciertos ramalazos de rock progresivo, llega a recordarme en algunos momentos a Styx. Los duelos de guitarra Stratton/Mann siguen siendo dolorosos y punzantes, absolutamente reconocibles en cualquier lado. Llega el momento de ponernos heavies con “30 Years”, todo un tributo a aquellos dorados años en que los jóvenes rockeros británicos asombraron al mundo. Mucho de autobiográfico aquí, y como no podía ser de otro modo sonando a los primeros Saxon o Maiden.

El precioso medio tiempo instrumental “On Our Way” ejerce de puente para que, en alas de un piano y las guitarras, llegue triunfante el title track “Second Nature”. Las carreras de guitarras son omnipresentes, detecto a estas alturas del partido que el renacimiento de Lionheart les ha llevado más allá de su adolescencia, para depositarles en su infancia: no veo mucho AOR, sino muy al contrario, el hilo conductor es el hard influído por la NWOBHM. Decepcionado? No en absoluto con lo que estoy oyendo, pero sí con lo que imaginaba. Y, como si los hados se compadecieran de mí, pobre redactor atribulado, se me regala “Prisoner”. Una maravilla de AOR primitivo, británico hasta el tuétano, todo suena añejo, desde el colchón de piano que rige el estribillo, hasta el riff hipnótico e insistente. Creo que en este corte Lee Small hace el mejor trabajo de su carrera.
Balada? Pues claro. “Every Boy in Town” ejercerá como tal para vosotros. Un tema muy Hughes, de hecho podría cerrar los ojos y engañarme a mí mismo con la ilusión de que La Voz Del Rock ha vuelto al redil del rock melódico. Llega “Time Is Watching” y me encuentro ante la disyuntiva de decidir si me suena a los MSG clásicos o a los nuevos Shy capitaneados por el propio Lee Small. El estribillo, por cierto es un escándalo.

“Heartbeat Radio” es un hit single en potencia, perfecta en su concepción y ejecución, quizá el corte que mejor resume la esencia de este redondo: hard rock clásico con mucho gusto por la melodía. Por si fuera poco, se precipitan los acontecimientos con otro mazazo a la MSG, seguramente parido por Steve Mann, bajo el nombre de…. “Lionheart”. Y, para concluir, como mandan los cánones de la buena educación, un “Reprise” que da la réplica a la inicial “Intro” con algunos fragmentos del tema título.

Saludo la vuelta de Lionheart. Quizá dejaron atrás algo de lo que me enamoró, pero siguen siendo la primera superbanda de la historia del rock melódico. Un respeto, y larga vida al corazón del León. Si tenéis suerte, quizá podáis disfrutarles en vivo. Yo no pienso perdérmelo si se dan las condiciones.

85%

Rocky

Quiet Riot “Road Rage” 2017 (Frontiers Music) Review.

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Ape navarro, Críticas, Frontiers music

No os voy a engañar, totalmente olvidados tenía a Quiet Riot, una de las bandas abanderadas del Hard Rock, y que en cuanto dices su nombre auténticos himnos vienen a la cabeza.

Poco hay que decir sobre su primera historia, conocidísima y exitosa, pero sí mencionar que tras la muerte en 2007 del alma de Quiet Riot, Kevin DuBrow, y gracias a Frankie Banali, batería, Chuck Wright, bajo, ambos de la vieja guardia, y Alex Grossi, guitarra, la banda sigue viva.

Vivita y coleando, y de la que se habla muchísimo tras la incorporación como cantante de James Durbin, que al entrar en la banda, creó su polémica, tanto por su edad, mucho más joven, como por su procedencia, de un famoso reality televisivo que busca talentos. La polémica, es innato en el ser humano, es buena porque hace que se hable, y eso te da fama y, al menos, una oportunidad.

Una oportunidad que desde nuestro punto de vista han sabido aprovechar, no dándose por vencidos con la primera idea de Road Rage tenían en la cabeza, el que tenían ya grabado con su anterior cantante, y dándole una vuelta para aprovechar el fichaje, y terminar haciendo un gran disco de Hard Rock clásico, puro ochenta, que hace que no pares de mover la cabeza, o mover el pie, en casi la totalidad del disco.

Can’t Get Enough. Dejemos que se presente el nuevo, el cantante. El peso de la canción lo lleva él, es el gran protagonista del tema, y ya se ve que podrá con la presión de ser el «líder» de, nada más y nada menos, de Quiet Riot. Trabaja en un rango de voz altísimo y demuestra que vale para esto. Temazo para empezar el disco. Somos los de siempre pero con savia nueva. A por todas!.

Getaway. Un comienzo a lo rollo indio, que despista, para llegar, menos mal, a otro tema con estructura hard rockera. Destaca una gran línea de bajo durante toda la canción.

Roll This Joint. Un gran riff durante toda la canción, acompañado de una gran base rítmica, para acabar, al final aumentando la velocidad y terminar en todo lo alto. Buenísimo!

Freak Flag. Dos partes muy diferenciadas tiene la canción, estrofas lentas, y un estribillo distinto a ellas, y más rápido. También tiene el típico parón antes del solo para acabar machacando, una y otra vez, el estribillo.

Wasted. Otra lección de Hard Rock, otro estribillo para que todo el mundo cante con ellos, a modo diálogo, y el riff de guitarra, súper jevi y sencillo, para dar protagonismo a las voces.

Still Wild. Un medio tiempo que, siento decirlo, se me atraganta, y no solo porque dure muchísimo. Tiene como atractivo que el solo se hace con la guitarra en limpio, sin efectos, quizás un pequeño eco, lo que la hace tener cierta originalidad.

Make A Way. Otra pequeña decepción, prometen mucho las estrofas, y la base rítmica, es buenísima, pero el estribillo no hace que la canción explote. El toque distinto, la armónica.

Renegades. Volvemos a la carga. Riff poderoso, acompañado de una buena base rítmica para desembocar en unas estrofas maravillosas, gran melodía tiene esta canción. Otro estribillo pegadizo, coral y enérgico. Y el solo, más la base rítmica que acompaña, ochenta total, me recuerda a la vieja, y tan añorada, época. Creo que es la mejor canción del disco, por lo menos la que más me gusta.

The Road. La balada, con la típica estructura de las power baladas. Protagonismo para la voz, fuerte y con carisma, y detrás la banda, más comedida pero, a la vez, contundente.

Shame. Este es el otro tema que me deja un poco parado. Es repetitivo y machacón, no me dice gran cosa, no tiene ningún cambio, estribillo con fuerza. Salvemos la base rítmica, está bien.

Knock Em Down. Para acabar volvemos con lo que mejor saben hacer, base rítmica rápida, riffs de guitarra, parones y estribillos para cantar. Con la originalidad de que puede tener cierto toque funk, tanto por el riff del principio, como por la línea del bajo, buenísima.

Quiet Riot siguen vivos y pateando culos. Trasmiten energía, fuerza, y… Rock. Nadie puede negar que emanan Hard Rock ochentero por los cuatro costados. Estoy seguro de que el gran Kevin DuBrow, allá donde esté dará el visto bueno, tanto por al trabajo realizado, como por su heredero. Banali y sus huestes han hecho un buen trabajo.

70%

Ape Navarro

EDGUY “Monuments” 2017 (Nuclear Blast) Review.

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Críticas, Javi Izkar

“Monuments” representa la celebración de los 25 años de Egduy, esta edición contiene un total de 28 temas en una presentación de lujo, 5 son los temas nuevos que son los que los que voy a reseñar y un tema rescatado de su primera época.

“Ravenblack” corte a medio tiempo, melódico y cuyo estribillo recuerda mucho a “Superheroes”.

“Wrestle The Devil” Riff Heavy Metal de corte añejo en un corte de estructura muy definida y con un excelente estribillo muy pegadizo.

“Open Sesame” hace un homenaje al Hard Rock más desenfadado, me ha venido a la cabeza el tema de Kingdom Come “ Do you Like It”… “Landmarks” es un homenaje a su etapa más Power Metal en donde rendían pleitesía a Helloween.

“The Mountaineer” es un corte de estilo a medio camino entre el Power Metal y el Happy Metal, muy buen tema. “Reborn In The Waste” se remonta a 1995 y está extraído de las grabaciones de su primer álbum “Savage Poetry” donde se nota que es todavía una banda muy joven y en formación.

Sin duda, Sammet vocalista y líder de la banda se encuentra más centrado en su proyecto Avantasia pero esta es la perfecta colección de temas para conocer la carrera de Egduy.

 

Javi Izkar

H.E.A.T. “Into the Great Unknown” 2017. (Gain/Sony) Review.

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Alicia Albertos, Críticas

¡Qué responsabilidad conlleva esta reseña!, opinar sobre un grupo que levanta pasiones, que ha tenido una trayectoria ascendente en cuanto a número de ventas y fans, pero que sin embargo mantiene a fieles incondicionales de la primera época, enfrentados en ocasiones en eternas batallas dialécticas con los seguidores de la era Gronwall, defendiendo cada cual su feudo musical. Unos adoran los dos primeros discos, principalmente, los otros, los dos últimos. Y que ocurre, que llegamos al quinto disco, que podría ser el nexo entre “ambos bandos” ya que regresa el guitarrista David Dalone, lo que servía para albergar ciertas esperanzas de que HEAT volviera a aquellos maravillosos años melódicos…

Así que me dispongo a atacar el disco con cierto nerviosismo, y a la primera escucha, la sensación es de profundo desconcierto, la vuelta de Dalone apenas la noto, tampoco es Address The Nation, a mi gusto el mejor disco de la banda, es quizá algo más parecido a Tearing Down The Walls, pero como referencia exclusivamente tampoco me vale. Total, me dispongo a darle una segunda vuelta a ver si esta vez llego a algunas conclusiones y sobre todo a algo que poderos contar.

Tras alguna escucha más, ya se me han quedado algunos estribillos grabados, ya puedo canturrear alguno de ellos, eso supongo que será positivo, ¡o no! El tema de arranque Bastards os Society, fiel a su estilo, pegada, energía, estribillo pegadizo uouououos para tararear en directo mientras alzamos el puño, nos imaginamos a Gronwall pegando saltos por doquier en el escenario, parece que vamos por el buen camino, a ver como continua esto, Redefined, ¡¡¡¡uff!!! aquí ya la liamos, más blandito, ¡bueno eso no debería ser malo!, pero esos efectos de guitarra, esos sonidos de sintes, y esos ritmos tan pop, si le hubieran quitado todos esos samples electrónicos horribles que no encajan nada con el tema quizá se hubiera salvado, Shit City, algo de hard rock, lo anterior fue un lapsus, ¡espero!, voz potente, coros pegadizos (ahahahahahah), solazo de guitarra acompañado de los teclados, cierre potente Gronwald dándolo todo, esto ya me gusta más.

Time on your side, ¡ay madre!, que empezamos con unos sonidos electrónicos en plan dance, … seguimos con más efectos, el tema no es malo pero esto es muy modern rock o pop rock, como queramos llamarlo ¿acaso, son Muse?. Abramos la mente para poder continuar sin que esto se nos atragante, Best of the broken, por un  momento estoy oyendo los acordes de la intro del Strangelove de Depeche Mode, al menos el estribillo es rock, algo es algo, Eye of The Storm la balada esto si es HEAT 100% con un Gronwall como siempre impresionante vocalmente, Blind leads the blind, aunque con un comienzo que me asusta nuevamente, pienso ¿por dónde van a salir ahora?, continua un tema que bien podría estar en el Tearing Down The Walls, extraño pero efectivo.

We rule el medio tiempo, algo pomposo, para el lucimiento de Gronwall, se alza como el mejor tema del disco, aun siendo un buen tema, le falta romper, no es para tirar cohetes tampoco. Do you want it, esto es el mannequin de este disco, muy escandinavo, muy HEAT de su última época, o te encanta o te horroriza, algunos samples de sinte hacía el final que no aportan nada. ¡Por dios, chicos, si queríais experimentar con las bibliotecas de sonidos o los sintes nuevos, hay otros momentos mejores!. Into the great Unknown cierra el disco al que da título por lo que se espera un temazo, es quizá el más hardrockero de todo el álbum, y no está mal, pero creo que lo podían haber hecho mejor.

En definitiva, me faltan temas como ‘A Shot At Redemption’ más directos sin tanto experimento. Quizá con unas cuantas escuchas se salven algunos cuantos temas, pero a mí de momento no me ha quedado cuerpo para ello. El resultado es un disco donde han intentado experimentar con excesivos efectos electrónicos, me imagino que, con el objeto de abrirse al mainstream, pero la sensación tras la escucha es de insatisfacción en cuanto a la línea musical que ha tomado la banda, no es que esté en contra de la innovación musical pero el riesgo es grande y no todo el mundo es capaz de integrar sonidos electrónicos sin que suene a pastiche, a antiguo, o a invento, es más incluso me cuesta ver los temas que serán elegidos para el directo. Me temo que este disco pasará sin pena ni gloria por la discografía de HEAT pero el tiempo lo dirá. En cualquier caso, os aseguro que la discusión está servida.

4

Alicia Albertos